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알앤비 감성 터지는 늦은 밤, 혼자만의 생각에 잠기기 좋은 20곡 RB Mix

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리듬 앤 블루스 – 위키백과, 우리 모두의 백과사전

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The Great Migration 대 이주

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R&B(알앤비)리듬 앤 블루스의 역사와 발전!

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안녕하세요 여러분 최광문의 재즈 노트에 오신 걸 환영합니다. 오늘은 1940년대부터 아프리카계 미국인 뮤지션들에 의해 상업적으로 큰 인기를 얻은 음악 장르입니다. 그리고 이 음악은 블루스를 기반으로 1950년대 중반부터 rock ‘n’ roll의 발전에 큰 기여를 하였으며 전자 악기가 개발된 후 현재는 팝, 가스펠, 소울, 펑크, 디스코, 힙합, 모타운의 음악까지 큰 영향을 끼친 장르죠. 아주 흥겨운 그루브와 함께 공연마다 재즈처럼 매력적인 즉흥성을 선보이는 바로 리듬 앤 블루스 R’n’B에 대해 한번 알아보겠습니다.

먼저 우리가 아는 알엔비는 단순한 음악의 한 장르만을 이야기하지 않습니다. 사회적, 상업적, 예술적으로 복잡한 이야기를 담고 있으며 아프리카계 미국인들의 깊은 내면을 뚜렷하게 끌어낸 흑인 음악으로 점프 블루스, 스윙 빅 밴드, 가스펠, 부기우기, 블루스가 합쳐진 결과물이죠. 그리고 인종 차별, 국제 분쟁 등 투쟁의 시대와 함께 발전해 왔습니다.

The Great Migration 대 이주

알엔비의 발전은 시카고, 로스앤젤레스, 뉴욕, 멤피스, 디트로이트와 같은 도시를 시작으로 아프리카계 미국인들이 모여 사는 도시 공동체에서 크게 성장했습니다. 이러한 그들의 도시 공동체 확장은 미국 남부 지역에서부터의 대 이주로 시작되었는데요.

최초의 대 이주는 1916년부터 1930년까지 제1차 세계대전 동안 일어났습니다. 당시 남부 지역은 목화에 가장 심각한 해를 끼치는 해충인 목화 바구미로 목화 농업은 붕괴되고 미국 북부 도시들은 산업화로 인해 노동자들의 수요가 증가함에 따라 많은 아프리카계 미국인들이 이주를 결정하게 됩니다. 그리고 그들의 음악적 표현은 도시 환경에 맞게 다양한 시장으로 전환할 수 있게 되죠.

하지만 이렇게 이주를 온 도시 지역의 아프리카계 미국인들에 대한 인종 차별은 여전했는데요. 시카고의 사우스사이드, 뉴욕의 할렘, 로스앤젤레스의 센트럴 애비뉴와 같은 한정된 곳에서 모여 살았으며 그 지역의 클럽, 라운지, 극장 등 다양한 비즈니스 및 상업 엔터테이먼트들은 그들을 중심으로 발전하게 됩니다. 물론 대부분의 극장들은 백인들이 운영하는 사업체였죠.

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이 시기에 아프라카계 미국인들의 투표권, 노동권과 같은 사회적, 정치적 우려를 지원하기 위해 대규모 국가 단체들이 다양한 범위의 제도적 변화를 주장하였습니다. 그리고 지역사회가 융화되면서 음악을 통해 문화적 자부심이 표출되기 시작했습니다.

아프리카계 미국인에 의한 상업 음반의 등장은 1920년 마미 스미스의 크레이지 블루스라고 합니다. 그리고 이것은 전례 없는 상업적 성공을 거두게 되는데요. 1920년대에서 1930년대 초반에 걸쳐 미국 레코드 회사가 흑인 고객을 대상으로 녹음, 발매하였던 레코드의 카탈로그 상의 명칭인 레이스 레코드라는 용어가 이때 나왔죠. 그리고 아프리카계 미국인들의 재즈, 블루스, 가스펠등을 포함한 대부분을 레이스 레코드 범주에 포함되었고 마미 스미스의 성공을 시작으로 많은 뮤지션들이 비슷한 블루스 스타일의 음반을 제작하게 됩니다.

본격적인 알엔비의 초기 발전은 제2차 세계대전 중과 후 미국 남부 및 농촌 지역에서 두 번째 위대한 대 이주가 일어나며 시작합니다.1941년에서 1950년 사이에 서부 도시의 아프리카계 미국인 인구는 33%나 증가했고 인종적으로 분리된 공동체 안에서 음악 및 엔터테인먼트와의 사회적 상호 작용에 굶주린 많은 청중들에게 그들의 음악은 음악적으로 긍정적인 효과를 제공하였습니다.

알엔비의 발전에 있어 초기 중요한 뮤지션이 있죠. 리듬앤 블루스와 로큰롤 발전에 기여한 색소폰 연주자이자 가수, 바로 루이스 조던입니다. 그는 작은 빅 밴드에서 업템포 스타일의 블루스를 연주하는 점프 블루스라는 신나는 장르를 연주했습니다. 그의 음악은 스윙과 블루스의 요소들을 혼합하여 셔플 리듬, 부기우기 베이스 라인, 그리고 짧은 패턴의 브라스 리프들을 연주하며 흑인 고유의 언어와 유머 그리고 보컬 콜 앤 리스폰 섹션을 사용하였죠. 조던의 음악은 흑인 백인 관객 모두에게 큰 인기를 끌었고 Is You Is or Is You Ain’t My Baby와 같은 히트곡으로 큰 성공을 거두었습니다.

특히 로스앤젤레스로 이주한 텍사스 출신 뮤지션들은 알엔비의 발전에 적지 않은 영향을 끼쳤는데요. 피아니스트 찰스 브라운은 조니 무어의 Three Blazers와 함께 부드러운 블루스와 알엔비 사운드로 큰 인기를 얻었으며 찰스 브라운의 Drifting Blues라는 감미로운 블루스곡으로 큰 성공을 거두었고 이것은 레이 찰스에게도 많은 영향을 주었습니다. 또 한 텍사스 출신의 블루스 기타리스트 티 본 워커는 블루스 일렉트릭 기타 사용을 개척하고 싱글 라인 솔로 스타일을 완성하였죠. 노동 계급의 삶을 소재로 한 가사와 함께 조화롭게 연장된 12마디 블루스 형식을 바탕으로 한 그의 1947년 곡 Call It Stormy Monday는 역사상 알엔비와 블루스의 표준이 되었습니다.

전자 악기의 등장

이때까지의 알엔비를 정의하게 된 대부분의 사운드는 피아노 트리오부터 완벽한 리듬 섹션의 빅 밴드에 이르기까지 다양한 악기들의 음악적 특색과 앙상블에서 파생되었습니다. 하지만 1950년대 후반부터 전자 악기의 사용으로 한층 발전하게 되는데요.

이때부터 우리가 흔히 말하는 그루브 즉 알엔비 특유의 리듬감이 만들이게 됩니다. 백비트의 블루스 셔플부터 부기우기, 변형된 룸바 리듬과 락앤롤의 특징인 8비트 리듬 패턴의 싱코페이션 변주곡에 이르기까지 폭넓은 리듬을 아우르게 됩니다. 심지어 느린 알엔비 발라드에서도 그루브를 느낄 수 있고 업템포 곡들은 리듬감을 위해 폴리 리듬 편곡을 하기도 했죠. 그리고 알엔비를 듣는 관객들은 리듬에 몸을 맡기며 춤을 출 수 있게 되었습니다. 이것은 진화하는 알엔비 사운드를 현대적으로 유지하는 새로운 혁신이였으며 블루스, 가스펠, 스윙 그리고 조화로운 구조를 포함하며 새로운 혁신의 창의적인 혼합이였습니다.

알엔비 음악은 1940년대 후반부터 1950년대까지 노골적으로 정치적이지는 않았지만 인종 차별에 대한 호소력으로 미국 젊은이들을 하나로 연결하며 감정과 심리적 유대감을 형성하기 충분했습니다. 마틴 루터 킹 목사나 말콤 엑스, 베트남 전쟁에 대한 반대 등 흑인 사회 내의 정치적 정서가 변화하고 있다는 것이 분명해지면서 이러한 인권 운동의 사건들이 사회 내부의 도덕적 모순과 불평등에 대한 미국의 관심을 집중시키면서 알엔비 아티스트들과 작사가들은 점점 더 많은 문제들을 다루기 시작했는데요. 1964년 샘 쿡의 A Change Is Gonna Come의 발매는 정치화된 알엔비 음악의 등장이었습니다. 이어서 1964년 커티스 메이필드의 Keep on Pushing, 1968년 제임스 브라운의 “Say It Loud It Loud ~ I’m Black & I’m Proud, 마빈 게이의 1971년 앨범 What’s Going On 등 모두 시민의 권리와 사회적 이슈를 직접적으로 다르며 큰 성공을 거뒀죠.

이 시기의 알엔비가 인권 운동과 점점 더 연관되어 짐에 따라 모타운과 스탁스의 레코드 경영진들은 아프리카계 미국인들의 헌신을 분명히 반영하는 아티스트를 배출하게 되는데요. 1968년 스탁스는 Staple Singers와 계약을 맺으며 그들의 음악은 시카고 지역 교회에서의 공연으로 성장하였고 시위와 메시지 중심의 레퍼토리로 크로스오버 가스펠 알앤비의 성공을 누렸습니다. 그리고 1970년 모타운은 마틴 루터 킹 주니어, 스토켈리 카마이클 등이 출연한 블랙 포럼 레이블을 론칭했습니다..

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Kenny Gamble and Leon Huff 1971년 케니 갬블과 리언 허프는 음악으로 흑인 정체성과 의식을 찬양하는 회사인 필라델피아 인터내셔널 레코드(PIR)를 설립하여 “Only the Strong Survive,” “Wake Up Everybody,” “Ain’t No Stopping Us Now” Message In Our Music 등의 곡들을 프로듀서 및 작곡을 하며 그들의 슬로건을 제목과 음악으로 나타내며 청취자들에게 과거와 앞으로 닥칠 어려움을 일깨워주었다고 합니다.

오늘날 R&B

오늘의 내용은 미국의 문화기관 스미스소니언 Center for Folklife & Cultural Heritage 민속문화유산센터의 매거진에서 참고, 발췌하였습니다.

뭐 오늘도 정말 애기가 길어졌네요. 단순히 음악적으로 알엔비를 설명하기엔 너무 복잡한 것도 사실입니다. 그 속에는 재즈라는 큰 범위에서 블루스와 팝, 소울, 펑크, 힙합, 디스코, 가스펠 등 여러 가지의 음악적 요소가 포함되어 있기에 시대적 배경을 먼저 알아야만 된다 생각되는데요. 현대 알엔비는 마이클 잭슨, 스티비 원더, 위트니 휴스턴, 머라이어 캐리 및 비욘세와 같은 보컬들에 의해 대중화되었고 현재는 힙합과 팝 음악의 요소가 알엔비 리듬과 결합되어 장르가 모호해진 것은 사실이지만 미국 대중음악의 주류를 형성하는데 중심적인 역할을 한 것은 분명합니다.

다음 히스토리는 록앤롤에 대하여 설명해볼까 합니다. 뭐 알엔비 음악에 젊은이들이 춤을 추는 모습을 보고 상업성을 위해 인종 색을 제거한 것이 록앤롤이라고 하는데요. 아무튼 오늘은 여기까지!

지금까지 시청해 주셔서 고맙습니다. 영상이 마음에 드셨다면 구독도 부탁드리며 다음 이 시간에 유익한 뮤지션 및 앨범 이야기로 다시 돌아오겠습니다. 감사합니다.

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리듬 앤 블루스

1940년대 흑인 사회에서 유래된 음악 장르

“R&B”와 “RnB”는 여기서 리디렉션된다. R&B 음악의 현대 스타일은 컨템포러리 R&B를 참조하십시오. 약어 RNB를 사용하는 일본 텔레비전 방송국의 경우는 난카이 방송을 참조한다.

R&B 또는 R’n’B로 자주 약칭되는 리듬 앤 블루스는 1940년대 흑인 사회에서 유래된 대중음악의 한 장르다.[1][2] 이 용어는 “무겁게 지속되는 비트를 가진 우르베인, 흔들림, 재즈에 기반을 둔 음악”이 인기를 끌던 시기에 음반회사들이 주로 도시 아프리카계 미국인들에게 판매한 음반을 묘사하기 위해 사용했던 용어였다.[3] 1950년대부터 1970년대까지 전형적인 상업적인 리듬과 블루스 음악에서 밴드는 보통 피아노, 한두 개의 기타, 베이스, 드럼, 하나 이상의 색소폰, 그리고 때로는 배경 성악가들로 구성되었다. R&B의 서정적인 주제들은 종종 관계, 경제, 그리고 포부 면에서 승리와 실패뿐만 아니라 고통과 자유와 기쁨에 대한 탐구에 대한 아프리카계 미국인들의 경험을 캡슐화한다.[4]
“리듬과 블루스”라는 용어는 여러 가지 의미 변화를 겪었다. 1950년대 초에는 블루스 레코드에 자주 적용되었다.[5] 1950년대 중반부터 이러한 스타일의 음악이 로큰롤의 발전에 기여한 이후, ‘R&B’라는 용어는 복음음악과 소울음악은 물론, 일렉트릭 블루스로부터 발전하고 접목된 음악 스타일을 가리키는 말로 쓰이게 되었다. 1960년대부터 1970년대까지 지미 제임스와 바가지본드, 제노 워싱턴, 칼 더글러스, 핫초콜릿과 같은 몇몇 영국 R&B 음악가들이 인기를 얻었다.[6] 롤링스톤즈, 후, 동물과 같은 록 밴드들은 R&B 밴드로 언급되고 홍보되었다; 1964년 Marquee Club의 Who’s 레지던트 포스터에는 “최대 R&[7]B”라는 슬로건이 들어 있었다. 1970년대 말에 이르러 ‘리듬과 블루스’라는 용어가 다시 바뀌어 영혼과 펑크의 포괄적 용어로 사용되었다. 1980년대 후반, 새로운 스타일의 R&B가 개발되어 “연관 R&B”로 알려지게 되었다. 리듬과 블루스를 팝, 소울, 펑크, 디스코, 힙합, 일렉트로닉 뮤직의 요소와 결합한다.

어원, 정의 및 설명

빌보드 매거진의 제리 웩슬러(Jerry Wexler)가 1948년 미국에서 음악 용어인 ‘리듬과 블루스(Rhythm and blues)’를 코칭한 공로를 인정받고 있지만,[8] 이 용어는 1943년쯤 빌보드에서 사용되었다.[9][10] 원래 흑인 사회 내에서 유래된 ‘레이스 음악’이라는 용어를 대체했지만 전후 세계에서는 불쾌하게 여겨졌다.[11][12] ‘리듬 앤 블루스’라는 용어는 빌보드가 1949년 6월부터 1969년 8월까지 차트 순위에서 사용한 것으로, ‘핫 리듬 앤 블루스 싱글스’ 차트가 ‘베스트 셀링 소울 싱글스’로 개명되었다.[13] ‘리듬 앤 블루스’라는 명칭이 붙기 전, 이미 여러 음반회사들이 ‘레이스 뮤직’이라는 용어를 ‘세피아 시리즈’로 대체하기 시작했다.[14]
작가 겸 프로듀서인 로버트 팔머는 리듬 앤 블루스를 “흑인 미국인이 만든 모든 음악을 지칭하는 캐치볼 용어”[15]라고 정의했다. 그는 R&B라는 용어를 점프 블루스의 동의어로 사용해 왔다.[16] 하지만 올뮤직은 R&B의 강력한 복음 영향 때문에 이를 점프 블루스와 구분한다.[17] 블루스 이외에는 아무것도 없다는 저자인 로렌스 콘은 “리듬과 블루스”는 산업적 편의를 위해 만들어진 우산 용어라고 쓰고 있다. 그에 따르면, 이 용어는 복음 노래가 차트에 진입할 만큼 팔리지 않는 한 클래식 음악과 종교 음악을 제외한 모든 흑인 음악을 수용했다.[11] 21세기까지 R&B라는 용어는 흑인 음악가들이 만든 음악을 다른 음악가들이 만든 음악 스타일과 구별되는 분류하기 위해 계속 사용되고 있다(어떤 맥락에서 R&B라는 용어는 다른 음악가들이 만든 음악 스타일과 구별된다.

1950년대부터 1970년대까지 전형적인 상업적인 리듬과 블루스 음악에서 밴드는 보통 피아노, 한두 개의 기타, 베이스, 드럼, 색소폰으로 구성되었다. 편곡은 힘들이지 않을 정도로 리허설을 했고 때로는 배경 성악가들이 동행하기도 했다. 단순한 반복적인 부품들이 맞물리면서 탄력을 만들고 리듬감 있는 인터플레이로 감미롭고 릴리팅하며 종종 최면적인 질감을 만들어내며 개별적인 소리에 주의를 환기시킨다. 가수들이 감정적으로 가사에 몰입하는 동안, 종종 그렇게 격렬하게, 그들은 냉정하고, 느긋하며, 통제력을 유지한다. 이 밴드들은 정장, 심지어 유니폼까지 차려입었는데, 리듬 앤 블루스 연주자들이 지배하고 싶어했던 현대 대중음악과 관련된 연습이었다. 가사는 종종 운명론적으로 보였고, 음악은 일반적으로 예측 가능한 화음과 구조의 패턴을 따랐다.[18]
스미스소니언 협회의 한 출판물은 2016년 이 장르의 기원에 대한 요약본을 제공했다.

“아프리카계 미국인의 표현 문화의 깊은 지류에서 뚜렷이 그려낸 흑인 음악으로, 30년 동안 처음 개발된 점프 블루스, 빅 밴드 스윙, 복음, 부기, 블루스가 혼합된 음악으로 합법적으로 허가된 인종 분리, 국제 분쟁, 그리고 을 위한 투쟁의 시대를 연결한다. “[19]민권”

‘록앤롤’이라는 용어는 점프 블루스와 R&B에서 성적인 함축성이 강했지만, 1950년대 중반 DJ 앨런 프리드가 주류 라디오에서 록앤롤을 언급하면서 “성적인 구성요소는 단순히 춤을 추는 데 용인되는 용어가 될 정도로 충분히 격하되어 있었다”[20]고 했다.

역사

전구체

1920년대와 1930년대 시카고, 디트로이트, 뉴욕시, 로스엔젤레스 등의 도시 산업 중심지로 흑인들이 대거 이주하면서 재즈, 블루스, 그리고 관련 장르의 음악이 새로운 시장을 형성하게 되었다. 이러한 장르의 음악들은 종종 전임 음악가들에 의해 혼자서 혹은 소규모 그룹으로 연주되었다. 리듬과 블루스의 전구들은 1920년대 후반과 1930년대에 할렘 햄패츠와 같은 음악가들의 작품을 통해 겹쳐진 재즈와 블루스에서 나왔으며, 그들의 1936년 히트곡 ‘오 레드’를 비롯해 로니 존슨, 르로이 카, 캡 캘로웨이, 베이시 백작, 티본 워커 등이 그것이다. 피아노와 색소폰뿐만 아니라 리드악기로서도 일렉트릭 기타에 대한 강조가 높아지고 있었다.[21]
1940년대 후반

1948년 RCA 빅터는 “블루스와 리듬”이라는 이름으로 블랙 음악을 마케팅하고 있었다. 그해 루이 조던은 3곡으로 R&B 차트 상위 5위를 석권했고, 상위 5곡 중 2곡은 1940년대 유명세를 탄 부기우기 리듬을 바탕으로 했다.[22] 조던의 밴드인 탬파니 파이브(Tympany Five, 1938년 결성)는 그가 색소폰과 보컬을 맡고, 트럼펫, 테너 색소폰, 피아노, 베이스, 드럼을 연주하는 음악가들과 함께 구성되었다.[23][24] Lawrence Cohn은 그 음악을 “그의 부기 시대의 재즈 팅블루스보다 더 우아하다”라고 묘사했다.[11]: 173 로버트 팔머는 그것을 “무겁게 지속되는 비트가 있는 우르베인, 흔들림, 재즈 기반의 음악”이라고 묘사했다.[3] 조던의 음악은 빅 조 터너, 로이 브라운, 빌리 라이트, 와이노니 해리스의 음악과 함께 지금은 점프 블루스라고도 불린다. 이미 Paul Gayten, Roy Brown, 그리고 다른 사람들은 현재 리듬 앤 블루스라고 불리는 스타일로 히트했다. 1948년 와이노니 해리스가 브라운의 1947년 음반 “Good Rockin’ Tonight”를 리메이크한 곡은 밴드 리더인 소니 톰슨의 “Long Gone”이 1위에 이어 차트 2위에 올랐다.[25][26]
1949년에 “리듬과 블루스”(R&B)라는 용어가 빌보드 카테고리 할렘 히트 퍼레이드를 대체했다.[11] 또한 그 해에는 밴드 리더이자 색소폰 연주자인 폴 윌리엄스가 녹음한 “The Huckle-Buck”이 R&B 곡조 1위를 차지하여 거의 1년 내내 차트 상위권에 머물렀다. 음악가 겸 레인저 앤디 깁슨이 작사한 이 곡은 음탕하고 선정적이어서 ‘더러운 부기’로 묘사되었다.[27] Paul Williams와 His Hucklebuckers의 콘서트는 땀에 젖은 폭동이었고, 한 번 이상 중단되었다. 로이 알프레드(나중에 1955년 히트곡 ‘로큰롤 왈츠’를 공동 작곡한 로이 알프레드)의 가사는 성적으로 약간 선정적이었으며 필라델피아 출신의 한 청소년은 “그 허클벅은 매우 고약한 춤이었다”[28][29]고 말했다. 또한 1949년, 1920년대 블루스 곡의 새로운 버전인 “Ain’t Nobody’s Business”는 지미 위더스푼의 4번 히트곡으로, 루이 조던과 탬파니 파이브가 “Saturday Night Fish Frie”[30]로 다시 한번 톱 5에 올랐다. 이러한 히트 레코드 중 많은 수가 사보이 (1942년 설립), 킹 (1943년 설립), 임페리얼 (1945년 설립), 스페셜티 (1946년 설립), 체스 (1947년 설립), 아틀란틱 (1948년 설립)과 같은 새로운 독립 음반 회사들에 의해 발행되었다.[21]
아프로쿠반 리듬 영향

아프리카계 미국 음악은 1800년대 쿠바의 인기와 함께 아프로-쿠바의 리듬 모티브를 통합하기 시작했다(쿠바 밖에서는 하바네라로 알려져 있다).[31] 하바네라 리듬은 트레스요와 백비트의 조합으로 생각할 수 있다.

하바네라 리듬은 백비트(상단음)와 함께 트레시요(하단음)로 표시된다.

케익워크, 래그타임, 프로토재즈가 형성되고 발전하고 있는 25년 이상 동안 쿠바 장르 하바네라는 아프리카계 미국 대중음악에서 지속적인 존재감을 발휘했다.[32] 재즈의 선구자 젤리 롤 모튼은 트레실로/하바네라 리듬(스페인 틴지라고 불렀음)을 재즈의 필수 요소라고 여겼다.[33] 일부 흑인 민속 음악에는 링 고함에서 손뼉을 치고 발을 동동 구르는 무늬, 남북전쟁 후 북과 파이프 음악, 뉴올리언스 2선 음악 등 트레실로 같은 리듬의 예가 있다.[34] 윈튼 마르살리스는 트레스요를 뉴올리언스 “클레이브”로 간주한다(기술적으로는 그 패턴이 절반의 클라브에 불과하다).[35] 트레시요는 사하라 이남의 아프리카 음악 전통에서 가장 기본적인 듀플펄스 리듬 세포로, 아프리카계 미국 음악에서 그 사용이 미국에서 아프리카 리듬 보존의 가장 확실한 예 중 하나이다.[36] 북미 대중문화에 채택된 쿠바 음악의 연속적인 물결에 의해 트레실로의 사용이 지속적으로 강화되었다. 1940년 밥 주르케는 트레실로 베이스 라인이 있는 부기우기와 쿠바 리듬의 채택을 자랑스럽게 선언하는 가사인 “럼부기”를 발매했다.

할렘은 새로운 리듬을 가졌어, 너무 더워서 댄스 플로어를 불태우고 있어! 그들은 작은 룸바 리듬을 타고 부기 우기를 더했고 이제 그들이 무엇을 얻었는지 봐! 럼부기, 쿠바의 싱크로포메이션과 함께 할렘의 새로운 창조물이야. 그게 바로 킬러야! 양쪽에 양발을 심기만 하면 된다. 엉덩이와 어깨를 모두 활활 타게 하라. 그럼 몸을 뒤로 젖히고 타라. 럼바우기, 럼바우기, 부기우기 같은 건 없어 할렘이나 아바나에서는 옛 사바나에게 키스할 수 있다. 살인자야![37]
미시시피강 하구의 대도시에서 발원했지만 아프로-캐리빈 리듬의 특징을 지닌 뉴올리언스 블루스는 미시시피 델타 블루스의 소리와 구별된다.[38] 1940년대 후반, 뉴올리언스 음악가들은 R&B가 처음 형성될 당시 쿠바의 영향을 정확히 수용했다.[39] R&B에서의 트레실로의 첫 사용은 뉴올리언스에서 일어났다. 로버트 팔머는 다음과 같이 회상한다.

뉴올리언스 프로듀서 겸 밴드 리더인 데이브 바르톨로뮤는 1949년 자신의 음반 ‘컨트리 보이’에 이 인물(색소폰 섹션 리프)을 처음 고용했고, 이후 1950년대 록앤롤에서 가장 많이 사용된 리듬 패턴으로 만드는 데 일조했다. Fats Domino, Little Richard 등의 수많은 녹음에서 바르톨로뮤는 이 반복적인 3노트 패턴을 현악 베이스뿐만 아니라 전기 기타와 심지어 바리톤 색소에도 할당하여 하의 무게가 매우 무거웠다. 그는 쿠바 원반의 베이스 패턴으로 이 수치를 처음 들은 것을 떠올린다.[40]
1988년 파머와의 인터뷰에서 바르톨로뮤는 스윙 리듬보다 트레스틸로를 처음에 중첩시킨 경위를 밝혔다.[41]
베이스가 ‘룸바’ 레코드에서 그 부분을 연주하는 것을 들었다. ‘컨트리 보이’에서 나는 베이스와 드럼으로 스트레이트 스윙 리듬을 연주하게 했고 색소들이 스윙 리듬 위에 연주할 수 있도록 ‘룸바’ 베이스 파트를 적어두었다. 나중에, 특히 락앤롤이 나온 후, 나는 ‘룸바’ 베이스 부분을 점점 더 무겁게 만들었다. 나는 현악기 베이스, 전기 기타, 바리톤을 모두 합쳐서 가지고 있을 것이다.[42]
바르톨로뮤는 쿠바의 아들을 그 당시의 흔한 관습인 오노머 룸바에 의해 언급하였다. 바르톨로뮤가 제작한 Fats Domino의 “Blue Monday”는 현재 R&B에서 트레실로를 고전적으로 사용하고 있는 또 다른 사례다. 바르톨로뮤의 1949년 트레시요에 기반을 둔 “오 쿠바나스”는 아프리카계 미국인과 아프로 쿠반 음악을 혼합하려는 시도다. 다른 어떤 텍스트보다 큰 맘보라는 단어는 레코드 라벨에 눈에 띄게 표시된다. 그의 작곡 ‘미세리’에서 뉴올리언스 피아니스트 롱헤어 교수는 왼손에 하바네라 같은 인물을 연기한다.[citation needed] 트리플릿의 능숙한 사용은 롱헤어 스타일의 특징이다.

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게르하르트 쿠빅은 뉴올리언스를 제외하고 초기 블루스는 복잡한 폴리리듬이 결여되어 있었으며, “사실상 모든 20세기 초반의 아프리카계 미국 음악에서 비대칭적인 타임라인 패턴(핵심 패턴)이 매우 구체적으로 존재하지 않았다”고 지적했다. 오직 일부 뉴올리언즈 장르에서만 단순한 타임라인 패턴의 힌트가 때때로 소위 ‘스톰프’ 패턴이나 정지시간 코러스의 형태로 나타난다. 이것들은 아프리카 타임라인과 같은 방식으로 기능하지 않는다.[43] 1940년대 후반, 이것은 두 개의 셀로 된 타임라인 구조가 블루스로 들어오면서 다소 변화되었다. 바르톨로뮤, 롱헤어 등 뉴올리언스 뮤지션들은 ‘카니발 데이’, (바르톨로뮤 1949), ‘마디 그라 인 뉴올리언스'(Longhair 1949) 등의 곡에서 클라브 패턴과 관련 2세포 인물들을 접목시켰다. 이러한 초기 실험들 중 일부는 어색한 퓨전이었지만, 아프로-쿠반 요소들은 결국 뉴올리언스 사운드에 완전히 통합되었다.

로버트 팔머 교수는 1940년대에 롱헤어 교수가 이 섬에서 온 음악가들의 음악을 듣고 연주했으며 “페레스 프라도의 맘보 레코드의 마법에 걸려 황홀해졌다”[44]고 보도했다. 그는 특히 아프로 쿠반 음악에 빠져 있었다. 마이클 캠벨은 “롱헤어 교수의 영향력은 매우 광범위했다”고 말했다. 롱헤어 교수는 초기 음반 몇 편에서 아프리카-쿠반 리듬과 리듬과 블루스를 혼합했다. 가장 노골적인 것은 ‘롱헤어 블루스 룸바’인데, 그는 직설적인 블루스를 클래브 리듬으로 오버레이한다.[45] 롱헤어의 특별한 스타일은 현지에서 룸바 부기로 알려져 있었다.[46] 그의 “Mardi Gras in New Orleans”에서 피아니스트는 2-3클라베 온비트/오프비트 모티브를 룸바 부기 “가저”로 사용한다.[47]
롱헤어 교수의 ‘뉴올리언스의 마디그라'(1949년)에서 발췌한 피아노. 위에 2-3클립이 율동적인 참고용으로 쓰여 있다.

(휘둘러진 세분화와는 반대로) 싱크로핑되었지만 직선적인 쿠바 음악의 부분적인 느낌은 이 시기에 뉴올리언스 R&B에 뿌리를 내렸다. 알렉산더 스튜어트는 이 대중적 감성이 제임스 브라운의 음악을 통해 1970년대 대중음악으로 전달됐다며 제2차 세계대전 이후 몇 년 동안 뉴올리언스에서 나온 독특한 리듬&블루스 스타일이 펑크의 발전에 중요한 역할을 했다고 말했다. 이와 관련하여, 미국 대중음악의 기본 리듬은 기본을 이루었지만, 일반적으로 인정받지 못한 세단이나 셔플 느낌에서 균등하거나 직선적인 여덟 번째 음으로 전환되었다.[48] 다양한 펑크 모티브에 대해 스튜어트는 “…이 모델은 정확한 패턴이 아니라 오히려 느슨한 조직 원리에 가깝다는 점에서 타임라인(클레이브, 트레실로 등)과 다르다고 말한다.”[49]
조니 오티스는 1951년 1월 콘가스, 마라카스, 클라브스, 맘보 색소폰 과저스를 블루스 순서로 선보이는 R&B 맘보 ‘맘보 부기’를 출시했다.[50] Ike Turner는 맘보에서 채택된 2-3클레이브 피규어를 중심으로 제작된 전기 기타 악기 “쿠바노 점프”(1954)를 녹음했다. 호케츠는 「마디 그라 맘보」(1955)에서 (젊은 아트 네빌의 보컬을 맡고 있는) 소개 후 휴식시간에 페레즈 프라도의 트레이드 마크인 「Unh!」를 사용하는 것을 분명히 언급한다.[51]
네드 수블렛은 “전기 블루스 고양이들은 라틴 음악을 매우 잘 알고 있었고, 분명히 룸바 블루스와 같은 것이 있었다; 여러분은 머디 워터스와 하울린이 그것을 연주하는 것을 들을 수 있다.”[52]라고 말한다. 그는 또한 이 느낌을 채용한 R&B 아티스트로 오티스 러쉬, 아이크 터너, 레이 찰스를 꼽는다.[52]
R&B에서 클레이브를 사용한 것은 백비트의 지배력이 커지고, 미국에서 쿠바 음악의 인기가 높아지는 것과 일치했다.어떤 의미에서 클래브는 백비트(양면)가 대답하는 트레시요(3면)까지 증류할 수 있다.[53]
3–2 클레이브는 두 가지 척도로 단축 시간으로 작성된다.

아프리카계 미국 음악에서 클레이브의 본질인 백비트에 트레시요가 대답했다.

“Bo Diddley 비트”(1955)는 아마도 3–2 클레이브와 R&B/rock ‘n’롤의 첫 번째 진정한 융합일 것이다. Bo Diddley는 리프의 기원에 대해 다른 설명을 했다. 수블렛은 “당시의 맥락에서, 특히 마라카들이 [기록으로 들은] 상황에서, ‘Bo Diddley’는 라틴어로 된 기록으로 이해되어야 한다”고 주장한다. 같은 세션에서 녹음된 거부된 컷은 트랙 시트에 ‘룸바’라는 제목만 붙어 있었다.[52] 조니 오티스의 “윌리와 손재브”(1958)는 3-2클라브와 R&B가 성공적으로 혼합된 또 다른 예다. 오티스는 노래에 쿠바 악기 클라브와 마라카스를 사용했다.

아프로 쿠반 음악은 콘가 드럼, 봉고스, 마라카스, 클라브스와 같은 클래브와 아프로 쿠반 악기와 같은 두 개의 셀로 된 인물의 채택을 통해 아프리카계 미국 음악이 “재아프리카화”된 통로였다. 존 스톰 로버츠에 따르면, R&B는 쿠바 요소들을 대중음악으로 복귀시키는 수단이 되었다.[54] 아흐메트 투르크 에르테군, 아틀란틱 레코드의 프로듀서는“아프리카계 쿠바 리듬 휴가의 기본 드라이브에 색과 흥분이라고 덧붙였다 말도 할;B으로 알려져, 쿠바에는 오늘날까지 여전히 유효하는 것이 여전히 미국 경제 봉쇄의 개체, 이 섬 나라 음악의 원천으로서 잊혀진 것과 1960년대”네드 서블렛으로서[55]비록을 지적한다.”By. 사람들이 로큰롤에 대해 역사를 가지고 있다고 말하기 시작할 무렵, 쿠바 음악은 북아메리카의 의식에서 사라졌다.”

1950년대 초반에서 중반까지

처음에는 아프리카계 미국인들만 R&B 디스크를 사고 있었다. 애틀랜틱 레코드의 제리 웩슬러에 따르면, 판매는 아프리카계 미국인 시장에서 현지화되었으며, 백인 판매나 백인 라디오 플레이는 없었다고 한다. 1950년대 초반에, 더 많은 백인 십대들이 R&B를 인식하기 시작했고 음악을 구입하기 시작했다. 예를 들어, 1952년 미국 로스앤젤레스 흑인 지역에 위치한 할리우드 레코드 가게의 돌핀스에서의 매출의 40%는 백인이었다. 결국, 전국의 백인 십대들은 리듬과 블루스로 음악적 취향을 바꾸었다.[57]
뉴어크 사보이 레코드와 계약한 조니 오티스는 1951년 ‘더블 크로싱 블루스’ ‘미스터스틴 블루스’ ‘큐피드의 부기’ 등 많은 R&B 히트곡을 냈는데, 이 곡들은 모두 그해 1위를 기록했다. 오티스는 그해 10개의 톱10 안타를 기록했다. 그 외 히트곡으로는 ‘지 베이비’, ‘맘보 부기’, ‘올 니이트 롱'[58] 등이 있다. 기타리스트와 함께 보컬 4중주단으로 구성된 5중주곡으로 블루스와 복음의 독특한 조합을 노래한 클루버스는 대서양에서 ‘Don’t You Know I Love You’로 올해의 히트곡 5위를 차지했다.[58][60][61] 또한 1951년 7월, 클리블랜드, 오하이오 디제이 앨런 프리드는 WJW (오전 850)에서 심야 라디오 프로그램인 “The Moondog Rock Roll House Party”를 시작했다.[62][63] 프리드의 쇼는 프레드 민츠의 후원을 받았으며, 그의 R&B 레코드 가게에는 주로 흑인 고객이 있었다. 프리드는 그가 연주한 리듬과 블루스 음악을 “록앤롤”이라고 언급하기 시작했다.

1951년, 리틀 리처드 페니만은 1940년대 후반의 스타 로이 브라운과 빌리 라이트의 점프 블루스 스타일로 RCA 레코드 녹음을 시작했다. 그러나, 1954년 그가 스페셜티 레코드의 관심을 끈 데모를 녹음하고 나서야 1955년에 그를 유명하게 만들고 록큰롤의 소리를 정의하는데 도움을 줄 그의 새로운 템포 펑키 리듬과 블루스를 세계가 듣기 시작할 것이다. 제임스 브라운, 엘비스 프레슬리,[66] 오티스 레딩과 같은 연주자들에게 영향을 줄 ‘투티 프루티’ 와 ‘롱티키 샐리’를 시작으로 리듬과 블루스 히트곡의 빠른 연이은 제임스 브라운,[65] 엘비스 프레슬리, 오티스 레딩과 같은 연주자들에게 영향을 미칠 것이다.[67]
대서양 레이블에서 공연하는 루스 브라운은 1951년부터 1954년까지 매년 “내 눈의 귀걸이”, “5시간, 10시간, 15시간”, “(마마가) 네 딸을 못되게 대한다”, “What a Dream” 등 상위 5위에 올랐다. 페이 애덤스의 “Shake a Hand”는 1952년에 2위에 올랐다. 1953년, R&B 레코드 구입이 대중에게 공개되면서 윌리 매 손튼의 원래 레코딩인 라이버와 스톨러의 “하운드 도그” 가 그 해 3위를 차지하게 되었다. Ruth Brown은 여성 R&B 스타들 사이에서 매우 유명했다; 그녀의 인기는 “아프리카계 미국 전통에 깊이 뿌리를 둔 목소리 전달”[70]에서 비롯되었을 것이다. 같은 해 두밥 그룹인 The Orioles는 “Crying in the Chaple”[72]로 올해의 4위를 차지했다.

Fats Domino는 1952년과 1953년에 팝 차트의 상위 30위를 차지했고, 그 다음 “Ain’t That a Shame”[74]으로 상위 10위를 차지했다. 레이 찰스는 1955년 “I Got a Woman” 으로 전국적인 명성을 얻었다. 빅 빌 브론지는 찰스의 음악에 대해 다음과 같이 말했다. “그는 블루스와 영혼들을 섞고 있다. 그게 틀렸다는 건 나도 알아.”[11]: 173

1954년, 코덱스의 “Sh-Boom” 은 R&B 차트에서 올해 초 10위권 안에 진입한 첫 히트작이 되었다. 그 해 말, 그리고 1955년에 Charms의 “Hearts of Stone”이 상위 20위 안에 들었다.[77]
1955년 봄 체스 레코드에서 보 디들리의 데뷔 음반 “보 디들리”/ ‘나는 남자다’는 R&B 차트에서 2위에 오르며 로큰롤의 주역이 될 보 디들리의 독창적인 리듬과 블루스 클라브 기반의 뱀파이어를 대중화했다.

체스 레코드에서 레너드 체스의 독촉에 따라 척 베리는 “아이다 레드” 라는 제목의 긴 역사를 가진 컨트리 바이올린 곡을 다시 연주했다. 그 결과 ‘메이벨렌’은 1955년 R&B 차트에서 3위를 차지했을 뿐만 아니라 팝 차트에서도 상위 30위 안에 진입했다. 1954년 뉴욕시의 훨씬 더 큰 시장으로 이사한 앨런 프리드는 이 기록이 백인 십대들에게 인기를 끌도록 도왔다. 프리드는 당시 일반적인 관행이었던 그의 홍보 활동에 대한 대가로 체스로부터 글쓰기 공적의 일부를 받았다.[80]
R&B는 1985년 월스트리트저널(WSJ)에 ‘락!’라는 제목의 기사를 비롯해 여러 소식통에 따르면 로큰롤에도 큰 영향을 미쳤다. 스틸 리듬 앤 블루스”라고 말했다. 실제로 저자는 1957년경까지 “두 용어는 서로 교환해서 사용됐다”고 진술했다. 이 기사에 인용된 다른 소식통들은 R&B와 팝, 컨트리 음악을 결합시켰다고 말했다.[81]
Fats Domino는 어떤 새로운 장르가 있는지 확신하지 못했다. 1957년 그는 “지금 그들이 록큰롤이라고 부르는 것은 리듬과 블루스다. 뉴올리언스에서 15년간 연주해 왔다.[82] 롤링스톤에 따르면, “이것은 유효한 진술이다… 흑인과 백인, 태어나고 도시에서 자란 모든 50대 록커들은 포티스 후기와 50대 초반의 흑인 대중음악인 R&B의 영향을 근본적으로 받았다.”[83]
1950년대 후반

1956년에는 헤드라이너 알 히블러, 프랭키 라이몬과 더 틴즈, 그리고 ‘블루 스웨이드 슈즈’가 R&B 음악 바이어들에게 큰 인기를 끌었던 칼 퍼킨스가 참여한 R&B ’56’의 탑스타즈 투어가 열렸다.[84] 청구서를 완성한 연주자 중에는 척 베리, 캐시 카, 셜리 & 리, 델라 리스, 샘 “티 버드” 젠슨, 클레프톤, 일리노이 자켓의 빅 로킨 리듬 밴드가 있는 스페인 사람들이 있었다.[85] 이번 투어가 방문한 도시로는 사우스캐롤라이나주 콜롬비아, 메릴랜드주 아나폴리스, 펜실베이니아주 피츠버그, 시러큐스, 로체스터, 버팔로, 뉴욕주 등이 있다.[citation needed] 컬럼비아에서는 퍼킨스가 폐막연기로 첫 곡을 시작하자 거의 폭동으로 콘서트가 막을 내렸다. 퍼킨스는 “위험했다. 많은 아이들이 다쳤다.” 아나폴리스에서는 5만~7만 명이 8000석 규모의 매진된 공연에 참석하려 했다. 도로는 7시간 동안 막혔다.[86] 영화제작자들은 1956년부터 시작된 “Rock n Roll” 음악가로서 “Rhythm and blues” 음악가들의 인기를 이용했다. 리틀 리차드, 척 베리, 뚱뚱한 도미노, 빅 조 터너, 라이니어스, 플래터, 플라밍고스가 모두 대형 스크린에 등장했다.[87]
엘비스 프레슬리의 두 음반은 1957년에 R&B 5위 안에 들었다: “Jailhouse Rock”/”Treat Me Nice” 그리고 “All Shake Up”은 아프리카계 미국인이 아닌 아티스트가 흑인들에 의해 창조된 것으로 알려진 음악 범주로 유례없이 받아들여졌다.[88] 1950년대 초 팝 차트에서 2개의 히트곡(‘1950년 모나리자’ 2위, 1951년 1위 ‘투영’)을 낸 재즈 피아니스트 냇 킹 콜도 1958년 R&B 차트 ‘돌아보니’/’Do I Like It’ 에서 5위 안에 들었다.

1959년, 두 개의 흑인 소유의 음반사가 데뷔했는데, 그 중 하나는 크게 성공할 것이다: 샘 쿡의 사르와 베리 고디의 모타운 레코드였다.[90] 브룩 벤튼은 1959년과 1960년 1위, 2위 2안타로 R&B 차트에서 1위를 차지했다.[91] 벤튼은 목소리에 어떤 따뜻함이 담겨 있어 다양한 청취자들을 끌어 모았고, 그의 발라드는 냇 킹 콜, 프랭크 시나트라, 토니 베넷과 같은 연주자들과 비교하게 되었다.[92] 1952년 ‘로디 미스 클로디’로 1위를 차지했던 로이드 프라이스는 1959년 ‘스태거 리’ 버전과 ‘인격성’ 버전으로 우위를 되찾았다.[93][94]
빌 블랙 콤보의 백인 밴드 리더인 빌 블랙은 엘비스 프레슬리의 커리어를 시작하는데 도움을 주었으며 1950년대 엘비스의 베이스 연주자였던 빌 블랙은 흑인 청취자들에게 인기가 있었다.[citation needed] 음반 판매량의 90%는 흑인들이 차지했고, 그의 ‘스모키, 파트 2′(1959년)는 흑인 음악 차트에서 1위에 올랐다.[citation needed] 그는 “많은 방송국들이 여전히 당신이 흑인 그룹이라고 생각한다. 왜냐하면 그 소리는 펑키하고 검게 느껴지기 때문이다”[citation needed]라는 말을 들은 적이 있다. Hi Records는 초기 레코드에 콤보 사진을 포함하지 않았다.[95]
1960년대-60년대

샘 쿡의 5번 히트곡 ‘체인 갱’은 1960년 R&B를 나타내는데, 팝 로커인 ‘통통한 체커’의 5번 히트곡 ‘더 트위스트'[96][97]도 마찬가지다. 1960년대 초까지는 이전에 리듬 앤 블루스로 알려진 음악 산업 범주를 소울 뮤직이라고 부르고 있었고, 백인 예술가들의 비슷한 음악에도 블루 아이 소울이라는 라벨이 붙여졌다.[99] 모타운 레코드는 1960년 미라클스의 ‘샵 어라운드(Shop Around)’ 로 첫 백만장자 싱글을 냈고, 1961년 스탁스 레코드는 칼라 토마스의 ‘지 휘즈(Look at His Eyes)'[101][102]로 첫 히트곡을 냈다. 스탁스의 다음 히트곡인 더 마키스의 기악곡 “Last Night” (1961년 발매되기도 함)은 스탁스가 알려지게 된 래커 멤피스 소울 사운드를 소개했다.[103] 자메이카에서는 R&B가 스카의 발전에 영향을 미쳤다.[104][105] 1969년 그래미족이 리듬 앤 블루스 범주를 추가하면서 흑인 문화와 리듬 앤 블루스는 또 다른 큰 성과에 도달하여 그 범주에 학술적 인정을 주었다.[citation needed]
1970년대에 이르러서는 ‘리듬과 블루스’라는 용어가 영혼, 펑크, 디스코 등을 포괄하는 용어로 쓰이고 있었다.[106]
1980년대 현재까지

1980년대 후반과 1990년대 초에 힙합은 미국 젊은이들의 상상력을 사로잡기 시작했다. R&B는 대부분의 R&B 히트곡을 책임지고 있는 유명 프로듀서들이 모여 동질화되기 시작했다. 그 시대의 R&B 아티스트들이 힙합이 생겨 음악을 팔거나 심지어 그들의 음악을 듣기도 힘들었지만, 일부는 “힙합” 이미지를 채택했고, 그렇게 마케팅되었고, 종종 랩퍼들을 그들의 노래에 등장시켰다. 어셔, R. 켈리, 자넷 잭슨, TLC, 알리아, 데스티니스 차일드, 테빈 캠벨, 메리 J. 블리지와 같은 신예 아티스트들이 성공을 거두었다. LaFace Records의 CEO인 L.A. 레이드는 어셔, TLC, 토니 브랙스턴의 형태로 1990년대 R&B의 가장 큰 성공을 일부 책임졌다. 후에 리드는 보이즈 2세 맨을 성공적으로 마케팅했다.[107] 2004년에는 R&B 차트에서 1위를 차지한 곡의 80%가 핫 100에서도 1위를 차지했다. 그 시기는 빌보드 핫 100과 탑 40 라디오에서 R&B와 힙합이 최고조에 달한 시기였다.[108] 2005년부터 2013년까지 R&B 매출이 감소했다.[109] 그러나 2010년 이후 힙합은 R&B 사운드의 단서를 잡기 시작했고, 장르를 위한 새로운 문을 완전히 열어준 드레이크 같은 래퍼들과 함께 전통적인 R&B를 접목한 더 부드럽고 부드러운 사운드를 채택하기로 선택했다. 이 소리는 인기를 얻었고 힙합과 R&B 모두에게 어떻게 식별해야 하는지에 대한 큰 논란을 불러일으켰다.[110]
리듬 앤 블루스의 사업 종말의 유대인

주요 기사: 리듬과 블루스에 있어서의 유대인의 영향

유대인 작가, 음악 출판사 간부, 작곡가 아놀드 쇼에 따르면, 1940년대 미국에서 WASP가 통제하는 대중 통신 영역에서 유대인들에게 일반적으로는 기회가 거의 없었지만, 음악 사업은 “흑인이 그랬던 것처럼 유대인들에게 광범위하게 열려 있었다”[111]고 한다. 유대인들은 리듬과 블루스를 포함한 흑인 음악을 개발하고 대중화하는 데 핵심적인 역할을 했고, 독립 음반 사업은 흑인 음악의 소리를 홍보하는 젊은 유대인 남성들이 주도했다.[112]
영국의 리듬 앤 블루스

주요 기사: 영국 리듬 앤 블루스

영국 리듬 앤 블루스 앤 블루스 록은 1960년대 초에 주로 영국에 주둔하고 있는 흑인 군인들이나 런던, 리버풀, 뉴캐슬, 벨파스트와 같은 항구를 방문하는 선원들이 종종 미국 예술가들의 녹음에 대한 반응으로 발전했다.[113] 특히 발전하고 있는 런던 클럽 장면에서 많은 밴드들은 흑인 리듬과 블루스 연주자들을 모방하려고 노력했고, 그 결과 더 인기 있는 “비트 그룹”[115]보다 더 “조용한” 소리 또는 “그레이트한” 소리를 냈다. 1960년대에 Geno Washington, Foundations, Equals는 대중적 인기를 얻었다.[116] 많은 영국의 흑인 음악가들이 영국의 R&B계를 형성하는 것을 도왔다. 여기에는 공군과 함께 영국에 주둔하고 있는 미국 가수 제노 워싱턴이 포함됐다. 1965년 기타리스트 피트 게이지에 의해 제노 워싱턴 & 램 잼 밴드가 된 것에 초대되어, 1969년 밴드가 해체되기 전까지 40개의 히트 싱글과 2개의 탑 10 앨범을 즐겼다.[117] 자메이카에서 태어난 또 다른 미국인 지미 제임스는 1960년 두 번의 현지 1위 히트곡을 낸 뒤 런던으로 건너갔고, 그는 라이브 공연으로 강한 명성을 쌓았다. 이들은 1966년 라이브 앨범과 스튜디오 데뷔작인 《The New Tright》를 발매하고, 1970년 원작인 바게본드가 해체되기 전까지 몇 곡의 싱글로 중간 정도의 성공을 거두었다.[118] 화이트 블루스 록 뮤지션 알렉시스 코너는 1970년에 새로운 재즈 록 밴드 CCS를 결성했다.[119] 블루스에 대한 관심은 에릭 클랩튼, 믹 테일러, 피터 그린, 그리고 존 메이올을 포함한 영국의 주요 록 음악가들에게 영향을 미칠 것이며, 그룹 프리 앤 크림은 다양한 리듬과 블루스 스타일에 대한 관심을 채택했다.[115]
롤링 스톤스는 영국 밴드(The Beatles에 이어) 2위를 차지하며 미국 팝 차트의 ‘브리티시 인베이션’을 이끌었다.[115] 롤링스톤즈는 바비 워맥과 발렌티노스의 노래 [121]’It’s All Over Now’를 커버하며 1964년 첫 영국 1위를 차지했다.[122] 블루스와 R&B의 영향으로 롤링 스톤즈, 야드버드, 애니멀스 등의 밴드와 그레이엄 본드 오퍼레이션, 주트 머니 같은 재즈에 영향을 받은 밴드들은 파란 눈의 소울 앨범을 가지고 있었다.[115] 영국에서 인기 있는 화이트 R&B 뮤지션들은 스티브 윈우드, 프랭키 밀러, 스콧 워커 & 워커 브라더스, 뉴캐슬의 동물들, 스펜서 데이비스 그룹, 벨파스트의 반 모리슨 & 그들로 구성되었다.[115] 이들 밴드 중 리듬과 블루스를 독점적으로 연주한 밴드는 없었으나 초기 앨범의 핵심으로 남아 있었다.[115]
챔피언 잭 듀프리(Jack Dupree)는 뉴올리언스 블루스 겸 부기 우기 피아니스트로, 1960년부터 유럽을 순회하며 그곳에 정착했으며, 스위스와 덴마크, 1970년대와 1980년대에 영국 핼리팩스에 거주하다가 마침내 독일에 정착했다.[124] 70년대부터 80년대까지, 칼 더글라스, 핫초콜릿, 위임, 주니어, 센트럴 라인, 프린세스, 재키 그레이엄, 데이비드 그랜트, 루즈 엔드스, 파사데나스, 소울 2 소울은 팝이나 R&B 차트에서 인기를 얻었다.[125] 영국 모드 하위 문화의 음악은 리듬과 블루스, 그리고 그 장면이 시작된 작은 런던 클럽들에 의해 이용되지 않았던 예술가들에 의해 후에 연주되는 영혼으로부터 성장했다.[126] 60년대 후반, The Who는 모타운 히트곡 “Heat Wave”와 같은 미국 R&B 노래를 공연했는데, 이 곡은 젊은 모드의 라이프스타일을 반영한 곡이다.[126] 이 밴드들 중 많은 수가 영국에서 국가적 성공을 누렸지만, 미국 음악 시장에 진입하는 것은 어렵다는 것을 알았다.[126] 브리티시 화이트 R&B 밴드는 흑인 예술가들과는 음색이 매우 다른 음악을 제작했다.[115]
참고 항목

참조

우리가 흔히 말하는 알앤비 R&B (RHYTHM & BLUSE)

우리가 흔히 말하는 알앤비 R&B (RHYTHM & BLUSE)

l 알앤비 R&B (RHYTHM & BLUSE) 의 음악적 특징

대부분의 미국 흑인 음악과 마찬가지로 리듬앤 블루스의 다양한 양식들은 재즈 리듬을 바탕으로 음의 굴절, 특히 당김음의 처리와 반음 내려 연주하는 블루스 화음이 뒤섞여 유럽 음악의 영향을 한데 섞은 형태를 취하고 있습니다.

리듬 앤 블루스의 뿌리는 미국 남부의 시골에서 유행하던 블루스 음악에서 시작되었습니다 . 흑인들의 음악 양식인 블루스가 발전하여 재즈와 리듬 앤 블루스 갈라진 것이죠. 재즈가 유럽의 도시에서 유행하던 백인 음악과 만나 재즈로 발전했다면 리듬 앤 블루스는 유럽의 시골에서 유행하던 음악과 만나 정착된 장르라는 차이점이 있습니다.

흑인들이 백인으로부터 가혹한 중노동의 고통에 시달리면서 불렀던 슬픔의 노래 였기에 전체적으로 슬프고도 애절한 리듬과, 멜로디, 가사를 담고 있습니다. 블루스가 발전하여 흑인 교회의 가스펠송으로 분화됐기에 가스펠송과 같은 맥락을 가지고 있습니다.

초창기 리듬 앤 블루스에 속하는 여러 양식은 3가지 주된 형식으로 구별됩니다. 그중에서 가장 최초의 형태는 레이스(Race)로 1940년대 후반까지는 `레이스 뮤직’이라고 불리었습니다. 1950년대부터는 백인들에게 까지도 충분한 인기를 모았고, 흑인의 지위도 어느 정도 향상 되었으므로 멸시의 느낌이 강한 `레이스뮤직’ 이라는 용어를 `리듬 앤 블루스’로 부르게 되었습니다. 이는 `점프 악단’의 양식이었고 제 2차 세계대전에 나타나 가장 먼저 나타나 가장 먼저 사라졌습니다.

점프 악단의 특성은 강한 리듬과 흥분된 연주, 샤우트 창법으로 요약됩니다. 이들 악단의 음악은 `두왑시대’ (미국에서 1940년과 1950년대 연주 도중에 악기를 입으로 대신하여 내던 소리를 `두왑(Doo-Wop)’ 이라 일컬읍니다. 이렇게 목소리로 반주하던 그룹을 `두왑그룹’ 이라 하는데 이 부류의 그룹들은 대개가 흑인 빈민들 거주 지역인 뉴욕의 할렘등에서 생겨났으며 열악하게 반주를 담당할 악기도 없이 연주하고 노래 불렀다고합니다.) 로 표현되기도 합니다.

그러나 이 점프악단들은 대부분 1950년대 초쯤 사라졌습니다. 또 하나의 양식은 1940년말 시카고 남부의 바나클럽을 중심으로 태동한 시카고 블루스 무디 워터스, 서니 보이 윌리암슨, 훌린 울프로 대변되는 연주자 그룹들이 소규모로 편성된 악기 – 전자 기타, 전자 오르간, 하모니카, 드럼 – 로 소란 스럽게 연주하는 형태였습니다.

마지막으로 가스펠 양식은 보컬을 중심으로 편성된 연주 형태입니다. 리드싱어가 위 음역을 맡고 코러스가 밑을 바쳐주는 형태로 밑집 화음을 사용하여 거의 가라앉은 분위기의 느린 템포가 뒤따르는 형식입니다.

l 모타운의 태동, 상업적 음악으로의 전진

비상업적인 흑인 음악으로 이어져 오던 리듬 앤 블루스가 상업적인 흥행 음악의 장으로 자리 를 잡은것은 1960년대 부터였습니다. 뉴욕의 애틀란틱 사운드와 디트로이트의 모타운, 이들 레코드 회사들은 흑인 음악만을 본격적으로 기업화하여 스타를 만들었던 레이블이었습니다.

애틀란틱을 대표하는 가수는 맹인 가수 레이찰스. 그는 59년 `What i’d Say’ 를 히트시켜서 백인들에게 인정받은 최초의 흑인 가수가 되었습니다. 여기에 샘 쿡과 재키 윌슨이 가스펠과 리듬 앤 블루스의 접점에서 히트곡을 양산해 냈습니다.

또 하나의 레이블인 모타운은 미국 팝 음악의 역사를 바꿔 놓은 기념비적인 레코드 회사였습니다. 흑인 음악의 대부 베리 고디 주니어는 자동차 공장에서 일하던 디트로이트의 평범한 흑인 청년이었습니다. 그는 탁월한 음악적 감각과 빠른 두뇌 회전, 사업적 투지를 갖추고 모타운 신화를 준비했었고 스모키 로빈슨, 브라이언 홀랜드, 라몬드 도지에, 에디 홀랜드 등 작곡가를 한데 묶어 이른바 `H.D.H’ 팀을 결성, 팝 음악계를 뒤흔드는 히트곡을 양산해내기 시작했습니다. 모타운 최고의 스타는 빈민가 출신의 여가수 다이아나 로즈 가이끄는 슈프림스였습니다. 이들은 `Baby Love’, Back in My Arms Again’ 등을 히트시키면서 60년대 최고의 여성 그룹으로 군림했습니다.

이에 대적한 남성그룹은 모타운 출신의 템테이션스. 이들은 5명의 흑인 멤버가 보여 주는 완벽한 하모니로 인기를 얻었습니다. 마빈 게이와 스티비 원도도 모타운이 나은 천재 가수들입니다. 마빈 게이는 모타운에서 가장 돋보였던 천재 가수로 다른 가수들에게 찾아보기 힘든 정교함과 깊이를 갖춘 가수였습니다. 12살때 데뷔앨범을 냈던 그는 아직까지 건재함을 과시 하면서 활동하는 대표적인 흑인 가수였고, 60년대 `For Once in my Life’, `Yester Me,Yester You, Yesterday’등을 히트 시켰다.

모타운의 마지막 스타는 잭슨 파이브 였습니다. 68년 마이클 잭슨과 자넷 잭슨이 포함된 잭슨가의 다섯 형제들이 첫 싱글 `I Want You Back’ 으로 단숨에 빌보드 정상에 올랐습니다. 그러나 모타운은 베리고디 주니어의 독단적인 운영으로 많은 작곡가들이 떠나는 바람에 그 신화에 종지부를 찍고 말았습니다. 그러나 모타운은 흑인 음악 역사상 가장 위대한 레이블로 남았고 미국 팝 음악의 또 다른 변주인 로큰롤을 탄생시키는데 결정적인 계기가 되었습니다.

로큰롤의 황제 엘비스 프레슬리 역시 흑인 음악의 영향 아래 성장하여 최고의 스타로 성장할 수 있었음은 부인할 수 없는 현실 이었습니다. 60년대 리듬 앤 블루스의 중요한 양상 가운데 하나는 흑인 소울의 등장이었습니다.

흑인음악의 3대 레이블중 하나인 스탁스가 주도한 이 음악은 흑인의 영혼을 담으려는 음악으로 디름 앤 블루스와 달리 좀 더 흑인적이고 여운이 오래 남는 음악이었습니다. 윌슨 피켓, 제임스 브라운, 오티스 레딩 등이 본격적인 소울 음악으로 시장을 주도하기도 했습니다. 67년 히트곡 `I Never Loved A Man’ 을 히트 시키면서 최고의 소울 가수로 등장한 아레샤 프랭클린은 불후의 명곡 `Respect’ 를 남기면서 소울의 여왕에 등극하기도 했습니다.

모든 것을 집어삼킬 듯한 열정과 흑인들의 일상을 담아낸 노래말, 강한 리듬과 비트로 이뤄진 그녀의 노래는 소울의 모든 것을 보여 주었습니다. 대선배격인 레이 찰스는 그녀를 가리켜 “내가 아는 가장 위대한 가수” 라고 칭송 했고 여성 백인 가수를 대표하던 제니스 조플린 역시 “최고의 여성” 이라고 그녀를 칭하기도 했습니다.

l 70년대 이후, 리듬 앤 블루스를 바탕에 깔고 등장하는 아티스트들

70년대 들어 와서는 잭슨 파이브의 인기가 계속 되면서 코모도스, 라이오넬 리치, 퀸시 존스등 대형 가수와 뮤지션들이 줄줄이 활동을 펼쳤습니다. 흑인 6인조 그룹인 코모도스는 아직도 스테디 송으로 불리고 있는 `Three Times A Lady’, `Still’ 등을 히트시키며 흑인 음악의 계보를 이어갔습니다. 레이 찰스로부터 음악적 영감을 이어 받은 퀸시 존스 역시 70년대 흑인 음악을 주도해 온 아티스트 였습니다.

그는 뛰어난 작곡과 편곡 실력으로 기라성 같은 가수들의 음반을 히트 시키면서 단숨에 스타 의 반열에 올랐습니다. 앤디 윌리암스, 사라 본, 프랭크 시나트라가 그의 손에 의 해 만들어졌으며, 가수로서도 만만치 않은 실력을 발휘했습니다. `You’ve Got It Bad, Baby’ 는 재즈와 소울, 팝차트를 휩쓸면서 최고의 인기곡으로 떠올랐습니다.

그가 세운 공적 중에 가장 큰 공적은 마이클 잭슨의 앨범을 제작하여 84년 그래미 어워드에서 마이클 잭슨으로 하여금 8개 부분을 석권하게 만들었습니다. 잭슨 5의 귀여운 꼬마에서 시작하여 오늘에 이르는 마이클 잭슨의 성공 신화는 음악 시장의 흐름을 바꿔 놓은 사건이었습니다.

80년대 흑인 음악을 얘기하면서 빼 놓을 수 없는 아티스트 중 하나인 프린스를 얘기해볼까요? 그의 음악은 관능적이고 대담 하면서 성적인 모험과 환상을 불러 일으킵니다. 80년대 초반 연속되는 히트로 미국 젊은이들의 우상으로 떠오른 그는 흑인 음악과 백인 음악의 결합을 추진한 흑인 가수이기도 합니다. 새로운 로큰롤 또는 섹스 로큰롤 로 정의되는 그의 음악은 흑인음악의 흐름을 바꾸는 계기로 작용되었고, `Up Town’과 `1999′ 등 히트곡은 그의 음악성에 대한 경외심까지 느껴지는 곡이기도 합니다.

80년대 중반 휘트니 휴스턴의 등장 역시 빼 놓을 수 없는 사건. 90년대 까지 이어지는 그녀의 인기는 리듬 앤 블루스 계열의 수많은 여성 가수들의 전성기를 연 계기가 되었습니다. 그녀는 놀라운 가창력으로 상업적인 성공을 거두어 당대를 대표하는 디바로 인정받고 있었습니다. 또 자넷 잭슨과 머라이어 캐리, 토니 블랙스턴으로 이어지는 현대 팝 디바 계보의 맨 처음을 장식했습니다.

l 이후의 R&B

90년대 들어 리듬 앤 블루스는 속칭 R&B로 불리우며 보다 다양한 변주로 이어졌습니다. 자넷 잭슨과 토니 블랙스턴에서 머라이어 캐리 등에 이르기 까지 R&B 여가수들의 등장은 빼 놓을 수 없는 사건입니다. 또 흑인 여성그룹 TLC의 약진도 빼놓을 수 없습니다.

이들의 배후에는 베이비 페이스 라는 탁월한 아티스트가 숨어 있었습니다. 그는 탁월한 프로듀서 감각으로 흑인 음악의 복고 바람과 상업적 성공을 주도하고 있는 인물입니다.

90년대 흑인 음악의 주류는 힙합인데, 50~60년대를 주도하던 흑인 음악의 흥겨움을 이어받은 소위 두왑 시대로 대표되는 그 시대의 음악을 복원하는 과정에서 생겨난 힙합은 정통 리듬 앤 블루스 적을 두고 있으면서도 탈장르를 부추기는 현상으로 떠오르고 있다. 한때 상당한 인기를 얻었던 흑인그룹 퓨지스의 경우는 복고의 경향을 잘 나타내 주는 대표적인 케이스 특히 정통 리듬앤 블루스 리듬을 계승한 보이즈 투 맨 등 여러가지 아티스트 들이 있습니다.

마이클 볼턴과 조지 마이클처럼 백인이면서도 흑인 음악을 구사하는 아티스트들도 있습니다. 소위 블루 아이드 소울 (Blue-Eyed Soul)로 통칭되는 이들의 음악도 리듬앤 블루스의 중요한 변화중의 하나라고 할 수 있습니다.

대표적인 뮤지션

Supremes – Unchained Melody

http://youtu.be/HrxDb8s_yqE

Marvin Gaye – What’s Going On (Greatest Hits – Live In Amsterdam)

Stevie Wonder – Isn’t She Lovely

Who’s Lovin You – Jackson 5

http://youtu.be/J2xc8xZ0tV0

Michael Jackson – Beat It

http://youtu.be/Ym0hZG-zNOk

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