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브로드웨이 연극 – 위키백과, 우리 모두의 백과사전
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18~19세기[편집]
1890년 이후[편집]
오늘날의 브로드웨이[편집]
더 보기[편집]
각주[편집]
참고 서적[편집]
외부 링크[편집]
브로드웨이 극장
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[뉴욕] 브로드웨이 추천 뮤지컬 극장 장소, 위치, 찾아가는 방법 : 네이버 블로그
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브로드웨이 극장
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브로드 웨이 극장은 무엇을 의미합니까?
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미국 뉴욕 브로드웨이 | Franks Travelbox
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브로드웨이의 출현
브로드웨이의 유명 인사
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브로드웨이 연극(영어: Broadway theatre)은 미국 뉴욕 맨해튼 씨어터 디스트릭트에 위치한 500석 이상의 좌석을 갖춘 40개의 대형 연극 극장(또 링컨 센터에 있는 1개의 극장까지)에서 상연되는 연극 공연을 뜻한다.[1][2] 영어권 국가에서는, 런던의 웨스트엔드 연극과 더불어 브로드웨이 연극을 상업 연극의 가장 높은 단계로 보고 있다.
브로드웨이 씨어터 디스트릭트는 뉴욕 시에 위치한 관광 명소 중 하나이다. 브로드웨이 리그에 따르면, 2007~2008년 시즌 동안 판매된 브로드웨이 연극 표는 93억 7천만 달러 어치에 달한다.[3]
초기의 뉴욕 연극 [ 편집 ]
처음 뉴욕에는 유명한 극장들이 존재하지 않았으나, 1750년 배우 겸 매니저인 월터 머레이와 토마스 킨이 나소 스트리트에 280명 정도가 들어갈 수 있는 극장을 처음으로 세웠다. 그곳에서 그들은 셰익스피어의 연극이나 거지의 오페라 같은 발라드 오페라를 상연하였다.[4] 1752년, 윌리엄 할람 (William Hallam)은 미국 (당시 영국의 식민지)으로 영국 배우 12명으로 구성된 공연단을, 자기 형제 루이스에게 매니저를 맡겨 보냈다. 이들은 버지니아주 윌리엄스버그에 극장을 하나 세우고 베니스의 상인, 해부학자 (Anatomist) 같은 연극을 상연하였다. 할람의 극단은 1753년 여름 뉴욕으로 와, 다몬과 필리다 (Damon and Phillida) 같은 발라드 오페라나 광대극을 공연하였다. 미국 독립 전쟁 때문에 뉴욕 극장계는 잠시 침체되었으나, 전쟁이 끝난 후 다시 활동기를 맞았으며, 1798년에는 2000석을 보유한 파크 극장이 채텀 스트리트 (현재 파크 로우)에 세워졌다.[4] 1826년에는 바워리 극장이 개장하였으며, 곧 다른 극장들도 뒤를 이었다. 흑인 분장을 하고 하는 미국 고유 형태의 연극 블랙페이스 민스트럴 쇼 (Blackface minstrel shows)는 1830년대부터 인기를 끌기 시작하였으며, 특히 40년대에 버지니아 민스트럴 극단이 나타나면서 더욱 인기가 치솟았다.
1840년대에는 P. T. 바넘이란 사람이 맨해튼 하부에서 일종의 종합 엔터테인먼트 시설을 운영하고 있었다. 1829년, 브로드웨이와 프린스 거리에서는 니블로스 가든 (Niblo’s Garden)이 문을 열었으며 곧 뉴욕의 유명한 야간 명소가 되었다. 이 극장은 좌석이 3000석이었으며 온갖 뮤지컬 & 비뮤지컬 연극을 상연하였다. 애스터 플레이스 극장은 1847년에 문을 열었다. 1849년에는 바워리 극장을 찾는 하층민들이 애스터 플레이스 극장의 상류 계급 관중들의 소위 속물 근성을 비난하며 폭동을 일으키기도 하였다:
“1849년 애스터 플레이스 폭동 이후로 뉴욕 시의 연극은 계층에 따라 나뉘었다: 오페라는 중상 혹은 상류층을 위한 것이었고, 민스트럴 쇼나 신파극 (멜로드라마)는 중류층을, 술집의 버라이어티 쇼는 노동자와 빈민가의 중류층을 위해 제작되었다.[5]
이 시기 브로드웨이 극장에서는 윌리엄 셰익스피어의 연극이 공연되었으며, 특히 햄릿 역으로 국제적으로 알려졌던 미국 배우 에드윈 부스 등이 유명했다. 부스는 1865년에는 윈터가든 극장에서 100여 개의 역을 연이어 맡았다 (그가 연기를 중단한 지 몇 달 지나 그의 동생 존 윌크스 부스는 에이브러햄 링컨 대통령을 저격하였다). 이후 그는 그의 소유 부스 극장에서 다시 연기를 시작하기도 하였다 (한때는 그의 형 주니어스 브루투스 부스 주니어가 운영하기도 하였다). 이 시대 다른 유명한 셰익스피어 연극 배우들로는 헨리 어빙, 토마소 살비니, 파니 데븐포트와 찰스 펙터 등이 있다.
리디아 톰슨 (Lydia Thompson)은 1868년 조그만 연극단을 데리고 미국에 와, 뉴욕 중류층 관객들을 위해 유명한 영국 벌레스크 극을 선보였다. 톰슨의 극단 “브리티쉬 블론즈 (British Blondes)”는 1868~1869년 동안 뉴욕의 연극 무대에서 커다란 인기를 누렸다. “희극, 패러디, 풍자, 즉흥, 노래와 춤, 다양한 연기, 남장 및 여장, 화려한 무대 효과, 외설적인 농담들과 맵시있는 의상 – 영국 관객들에겐 이미 익숙한 이 요소들이 뉴욕에서는 폭풍이 되어 몰아쳤다.”[6] 그들의 투어는 6년간 계속 흑자를 올렸다.[7]
뮤지컬의 탄생과 남북 전쟁 이후 [ 편집 ]
1850년대부터 뉴욕의 극장들은 점차 다운타운에서 미드타운으로 옮겨졌는데, 이는 부동산 값이 낮은 곳을 향한 움직임이었다. 1870년, 브로드웨이의 중심부는 유니언 스퀘어였으며, 19세기가 끝날 때 쯤에는 매디슨 스퀘어에 수많은 극장들이 자리잡았다. 타임즈 스퀘어 지역에는 1900년대 초까지 극장들이 세워지지 않았으며, 1920년대~30년대가 돼서야 여러 브로드웨이 극장들이 세워졌다. 처음으로 롱런 (장기흥행)한 뮤지컬은 50회 연속 상연에 성공한 요정들 (The Elves)이란 작품으로 1857년 만들어졌다. 당시 뉴욕의 뮤지컬 문화는 런던보다 뒤처져 있었으나,[8] 이후 로라 킨느의 “뮤지컬 벌레스크” 일곱 자매 (Seven Sisters) (1860)가 뉴욕에서 253회의 연속 공연이라는 대기록을 세웠다. 에이브러험 링컨 대통령이 총에 맞았던 극장에서 우리의 미국인 사촌 (Our American Cousin)의 공연을 하고 있던 것도 킨느의 극단이었다.
검은 옷의 괴조 (The Black Crook) (1866). 일부 역사가들은 이 작품을 최초의 뮤지컬로 보고 있다[9] (1866). 일부 역사가들은 이 작품을 최초의 뮤지컬로 보고 있다
현대적인 의미의 뮤지컬 – 춤과 창작 음악을 더해 서사 구조를 보충한 작품 – 중 최초의 작품은 1866년 9월 12일 뉴욕에서 초연한 검은 옷의 괴조 (The Black Crook)로 간주되고 있다. 이 작품은 길이가 무려 5시간 반이나 되었으나, 그 길이에도 불구하고 474회의 연속 공연이라는 기록을 수립하였다. 그 해, 최초의 뮤지컬 코미디라 할 수 있는 블랙 도미노/당신과 나 그리고 우체국 사이 (The Black Domino/Between You, Me and the Post)도 제작되었다.[9]
1881년 토니 파스터는 유니언 스퀘어 동쪽 블록에 첫 보드빌 극장을 세웠고, 그곳에선 릴리언 러셀 등이 공연을 하였다. 코미디언 에드워드 해리건과 토니 하트는 1878년에서 1885년 사이 멀리건 가드 피크닉 (The Mulligan Guard Picnic)을 시작으로 여러 뮤지컬을 제작하고 직접 출연하였는데, 대사와 가사는 해리건이, 음악은 그의 장인 데이빗 브라함이 담당하였다. 이런 뮤지컬 코미디에는 뉴욕의 하층민의 일상에서 따온 캐릭터와 상황들이 녹아있었으며, 보드빌과 벌레스크가 좀 더 문학적인 형태로 다져지는 중요한 역할을 하였다. 실력에 대해 논란이 많았던 여성들을 무대에 올렸던 초기 뮤지컬과는 달리, 그들은 실력파 가수들 (릴리언 러셀, 비비안 세갈, 페이 템플턴)을 기용하였다.
교통이 발달하면서, 뉴욕의 가난은 점차 해소되었고, 가로등 덕분에 밤에도 안전하게 다닐 수 있게 되면서 극장을 이용하는 고객의 수는 크게 늘어났다. 작품들의 길이가 길어도 관객들이 감상할 수 있었으며, 이는 더 높은 이득, 그리고 제작비의 증가로 이어졌다. 19세기 후반 영국에서는 극장의 환경을 개선하기 위해, 여성들이 극장에 오는걸 꺼리게 만들었던 창녀들의 입장을 제한하기도 하였다. 길버트-설리번의 가족적인 희가극은 1878년 군함 피나포어 (H.M.S. Pinafore)를 시작으로, 작가들 혹은 수많은 해적판을 통해 뉴욕으로 들어오게 되었다. 그 작품들은 이후 레지날드 드 코븐의 로빈 후드 (1891), 존 필립 수자의 엘 카피탄 (1896) 같은 작품이 만들어질 수 있는 배경을 마련하였다.
1890년 이후 [ 편집 ]
1891년 찰스 호이트의 차이나타운으로의 여행 (A Trip to Chinatown)은 657번의 연속공연을 하면서 브로드웨이 연극 흥행의 신기록을 세웠다. 이 기록은 1919년 아이린 (Irene)에 와서야 깨졌다. 1896년, 극장주 중 한 명이었던 마크 클라우와 A. L. 얼랜져는 공연조합 (Theatrical Syndicate)을 조직하였으며, 이후 16년 동안 미국의 거의 모든 극장을 통제하였다.[10] 하지만, 소규모 보드빌과 버라이어티 쇼는 번성하였으며, 19세기가 끝날 때쯤 오프브로드웨이 연극들도 정립되었다.
브로드웨이 연극에서 흑인이 모든 제작과 공연을 맡은 첫 작품은 쿤타운으로의 여행 (A Trip to Coontown) (1898)이었으며 (민스트럴 쇼의 영향을 크게 받은 것이 보인다), 이후 래그타임 스타일의 케이크워크 춤의 시작 클로린디 (Clorindy the Origin of the Cakewalk) (1898)와 큰 성공을 거둔 다호메이에서 (In Dahomey) (1902) 등이 뒤를 이었다. 1890년대에는 수백 개의 뮤지컬 코미디가 브로드웨이 극장의 무대에 올랐으며, 1900년대 초에는 조지 M. 코헌, 거스 에드워즈, 존 월터 브래튼 등의 작곡가가 만든 뉴욕의 틴 팬 앨리의 노래들 (Little Johnny Jones (1904), 45 Minutes from Broadway (1906), George Washington Jr. (1906) 등등)이 유명하였다. 그래도, 뉴욕의 뮤지컬은 제1차 세계 대전까지는 런던에 비해 대부분 상대적으로 짧았다.[11] 몇몇 성공을 거둔 영국 뮤지컬들은 뉴욕에서도 큰 성공을 거두었다.
빅터 허버트
20세기 초, 유명한 19세기 말 유럽 오페레타의 번역 뮤지컬이 활성화된 가운데 P. G. 우드하우스, 가이 볼튼과 빅터 허버트 등의 작가들이 만든 “프린세스 극장” 쇼도 활발히 만들어지기 시작했다. 여기에는 점쟁이 (The Fortune Teller), 장난감 나라의 아기들 (Babies in Toyland), 내성적인 아가씨 (Mlle. Modiste) 등의 현대적인 세팅의 뮤지컬 연극 등의 작품이 있다.[12] 빨간 풍차 (The Red Mill)부터, 브로드웨이 연극들은 극장 밖에 전기 간판을 내걸기 시작하였다. 색깔 있는 전구는 빨리 타버렸으므로, 백열등이 쓰였으며, 그 결과 브로드웨이는 “더 그레이트 화이트 웨이 (The Great White Way)”라는 별명을 얻게 되었다. 1919년 8월, 연극 배우 노동 조합은 모든 프로페셔널 작품을 위한 표준 계약서를 요구하였다. 파업으로 모든 극장이 문을 내리고 나서야 제작자들은 반억지로 이 요구 사항을 받아들였다. 1920년대에 와서는, 슈베르트 형제가 나타나 에를랑게 조합 (Erlanger syndicate)의 극장 대부분을 인수하였다.[13]
영화는 연극에 크나큰 위협이 되었다. 처음 무성 영화 시기에 영화는 큰 위협이 되지 않았다. 하지만, 1920년대 말, 재즈 싱어 같은 유성 영화가 개봉하면서, 비평가들은 영화극장이 연극 극장을 아예 대체해버리지 않을까 하고 조심스런 추측을 내놓기도 하였다. 광란의 20년대 (Roaring Twenties)의 뮤지컬은, 보드빌, 뮤직 홀과 다른 가벼운 엔터테인먼트의 요소들을 차용하여 플롯을 무시하고 대신 스타 배우들을 강조하고, 대규모의 춤 장면과 대중적 노래들을 삽입하였다. 플로렌츠 지그펠트는 화려한 무곡, 호화스러운 세트, 정교한 의상 등이 담긴 레뷔 (시사 풍자의 익살극)를 제작하였으나, 정작 극중 각 요소들의 연관성은 크지 않았다. 1920년대의 작품은 대부분 샐리 (Sally), 레이디 비 굿 (Lady Be Good), 서니 (Sunny), 노, 노, 나네트 (No, No, Nanette), 화니 페이스 (Funny Face) 등등 유쾌한 작품들이었다. 대본은 사람들의 기억에 잘 남지 않았을지 몰라도, 조지 거슈윈, 콜 포터, 제롬 컨, 빈센트 유맨스 등이 작곡한 재즈 곡들은 꾸준히 사랑 받았으며, 노엘 코워드, 지그문트 롬버그, 루돌프 프리멀 등은 빅터 허버트의 정신을 계승해나갔다. 이런 식으로 연극은 영화의 발명 이후로도 계속 살아남았다.
‘시시한’ 엔터테인먼트 대신 드라마 면에서 커다란 발자국을 디딘 쇼 보트 (Show Boat)는 1927년 12월 27일 지그펠드 극장에서 초연하였으며, 대본과 음악의 통합으로 극적인 테마를 음악, 대화, 배경과 동작을 통해 전달하여 이전에 비해 뮤지컬의 완성도를 훨씬 높였다. 쇼 보트는 572회 상연하였다. 대공황 시기 이후, 브로드웨이 연극은 블록버스터 연극 오클라호마! (Oklahoma!)를 통해 황금시대에 접어들었다. 오클라호마!는 1943년 제작되어 무려 2,212회의 공연 기록을 세웠다. 연이어 브로드웨이에서 흥행이 일어났고, 브로드웨이 극장은 명실공히 연극 분야에서 국제적으로 가장 높은 지위를 획득하였다.
1920년대에는 또 유진 오닐의 등장과 함께 미국 극작가의 새로운 시대가 열렸는데, 그의 작품 지평선 너머 (Beyond the Horizon), 안나 크리스티 (Anna Christie), 털달린 원숭이 (The Hairy Ape), 기묘한 막간극 (Strange Interlude), 상복이 어울리는 일렉트라 (Mourning Becomes Electra) 등은 진지한 연극을 보고 싶어하는 관중들도 있다는 것을 증명하였다. 그의 성공은 이후 엘머 라이스, 맥스웰 앤더슨, 로버트 E. 샤웃, 테네시 윌리엄스, 아서 밀러 등의 메이저 작가들이 등장할 수 있는 기반을 쌓았으며, 조지 카우프만, 모스 하트 등의 희극 극작가들이 데뷔할 수 있도록 길을 닦기도 하였다. 한편 브로드웨이에서는 고전 리메이크도 인기를 얻었는데, 특히 햄릿 (Hamlet)에서의 존 배리모어와 존 길구드, 시라노 (Cyrano de Bergerac)의 호세 페레, 리처드 2세 (Richard II)의 모리스 에번스, 오셀로 (Othello)의 폴 로브슨 등의 배우들이 인기를 누렸다.
1947년에는 미국 연극, 특히 브로드웨이 연극에서 눈에 띄는 작품을 시상하기 위한 토니상이 창설되었다.
오늘날의 브로드웨이 [ 편집 ]
스케줄 [ 편집 ]
이전보다는 예외가 많아졌지만, 일반적으로 공연들은 화요일에서 토요일까지 오후 8시에 “커튼 공연”, 수요일, 토요일, 일요일 낮에는 “마티네 공연”이 열리는 스케줄을 따르고 있다; 이 스케줄에 따라, 월요일에는 공연이 하지 않으므로, 월요일의 공연과 극장은 “어둡다” (dark)고 표현을 하게 된다. 이런 스케줄을 따르는 배우와 스탭들은 일요일에서 화요일을 “주말”이라고 부른다.
최근 들어서는, 많은 공연들이 화요일 쇼타임을 한 시간 앞당겨 오후 7시에 열고 있어, 화요일에 그 지역 사람들이 감상을 하러 더 많이 오는 추세이다. 즉 커튼 쇼의 공연 시간이 빨라짐으로 인해 그 지역 사람들은 공연이 끝나고 적당한 시간에 집에 돌아갈 수 있게 되었다. 몇몇 쇼들, 특히 월트 디즈니 회사가 제작한 쇼의 경우는 계절에 따라 목표 관객들의 수를 최대화하기 위해 스케줄을 자주 바꾸곤 한다.
배우 [ 편집 ]
브로드웨이에서 열리는 뮤지컬과 연극 둘 다 유명한 배우에게 주역을 맡겨 관객 동원을 하곤 한다. 영화나 TV 프로에 출연하던 배우들이 리바이벌 공연에 자주 출연하고, 때로는 은퇴를 하는 기존 배우를 대체하기도 한다. 하지만 여전히, 무대를 자신의 주요 활동 분야로 삼고, TV나 스크린에 나오는 것을 부수적으로 하는 사람들도 적지 않다.
과거에는, 보드빌이나 벌레스크 쇼에 비해 연극 배우들은 좀 더 우월한 것으로 받아들여졌다 – 그들은 보드빌, 벌레스크 등을 저속하고 상업적인 것으로 간주하였으며 자신의 직업을 더 예술적인 레벨에 있다고 생각하였다. 이런 태도 때문에 현재도 연극 공연을 “정통 무대 공연” (legitimate theatre)라고 부르기도 한다. 이 때문에 라디오, 영화, 텔레비전에 출연하는 사람들은 연극인들에 대해 “겸손한” 태도를 가지고 있기도 하였으나, 이런 분위기는 특히 영화, TV 프로그램 출연료가 더 높아지면서 브로드웨이에서조차도 많이 없어졌다. 하지만 배우 조합의 구조에서는 “정통”과 “버라이어티” 공연의 구분이 여전히 존재한다: 연극 배우 노동 조합은 “정통” 공연 배우들로, 미국 버라이어티 예술가 길드 (AVGA)는 대본이나 스토리라인 없는 공연에서 활동하는 이들로 이루어져있다. 대부분의 연극과 뮤지컬은 배우 노동 조합의 지배를 받고 있는만큼, 브로드웨이 배우가 조합에 가입이 되어있지 않은 경우는 매우 드물다.
브로드웨이 연극 종사자 대부분이 어떤 전문 조합에 속해있다. 배우, 댄서, 가수, 코러스 멤버와 무대 매니저들은 연극 배우 노동 조합 (AEA)의 멤버이고, 음악가들은 미국음악인협회 (AFM), 무대 담당 스탭, 의상 담당자, 헤어드레서, 디자이너, 박스 오피스 직원과 접수원들은 모두 전미 극장 및 공연 관련자 노동 조합 (IA 또는 IATSE)에 속해있다. 감독과 안무가들은 연출 및 안무가 조합 (SDC), 극작가들은 미국 작가 길드, 극장 매니저, 회사 매니저, 선전원들은 극장 선전원 및 매니저 조합 (ATPAM)을 이루고 있다. 오직 캐스팅 감독만이 현재 브로드웨이 연극 종사자 중 조합을 이루고 있지 않다 (2002년에서 2004년까지 ATPAM의 일부가 되려하기도 했었다). (일반 매니저는 노동자가 아니라 경영진에 속한다)
제작자와 극장주 [ 편집 ]
대부분의 브로드웨이 연극 제작자와 극장주는 브로드웨이 리그 (전 “전미 극장 및 제작자 연맹”)의 멤버로, 브로드웨이 극장을 전체적으로 홍보하며, 다양한 극장 조합 및 길드와 계약 협상을 하고, 미국연극협회와 함께 토니상 시상식을 관리한다. 리그와 극장 조합은 새로운 계약 앞에서는 논쟁을 벌이기도 하지만, 뉴욕의 전문 극장을 홍보하는 많은 프로젝트와 이벤트를 위해서 종종 협력하곤 한다.
브로드웨이 극장의 세 비영리 극장 회사들은 극장연맹 (LORT)에 속해있으며 극장 조합과 계약 상태에 있으면서 제작자나 다른 브로드웨이 극장들과 독자적으로 협상한다. (월트 디즈니 회사는 리그와 별개로 협상을 하며, 리벤트 사 역시 업무를 중단하기 전까지는 그랬다) 하지만, 일반적으로, 브로드웨이 극장에서 열리는 연극이라면 모두 토니상을 받을 자격이 있다 (아래 참고).
대부분의 브로드웨이 극장은 세 단체가 소유하고 있거나 관리한다: 비영리 슈베르트 재단의 영리 단체인 슈베르트 조합 (Shubert Organization)이 17개의 극장을, 네덜란더 조합 (Nederlander Organization)이 9개를, 주잠신 그룹 (Jujamcyn)이 5개의 브로드웨이 극장을 관리하고 있다.
공연 [ 편집 ]
대부분의 브로드웨이 쇼는 프로듀서와 투자자들의 이득을 극대하기 위해 만들어진 상업적 제작물이며, 그 때문에 공연 횟수는 미리 정해지는 것이 아니라 비평가들의 반응, 소문, 홍보의 효율 등등 표의 판매율에 영향을 끼치는 요인들에 영향을 받는다 (이런 형식을 영어로 “open-ended”라고 한다). 상업적 프로덕션에 투자하는 것은 여러모로 재정적인 위험이 따른다. 공연은 꼭 즉각적으로 흑자를 내지는 못한다. 만약 공연이 어느 정도 수용 가능한 정도까지 적자를 낸다면, 언젠가는 흑자를 낼 거라는 기대를 하면서 계속 기다려볼 수 있다. 조금 위험한 상황에서는 로열티를 일시적으로 줄이거나, 연기자들의 급여를 – 노조의 허가 하에 – 조금 깎아내려 종연을 막아볼 수 있다. 일반적으로 극장주들은 제작물의 이득 상승에 크게 이바지하지 않으나, 때로는 종연을 막기 위해 집세를 깎거나 돈을 빌리는 경우도 있다.
몇몇 브로드웨이 공연들은 비영리적 단체가 기부를 위해 제작하기도 한다 – 링컨 센터 씨어터, 라운드 어바웃 씨어터 컴퍼니, 맨해튼 씨어터 클럽 등은 브로드웨이에 위치한 비영리적인 극장 회사이다. 어떤 공연의 경우는 재정적인 이유나 다른 공연들의 극장 사용으로 인한 기간 제약으로 제한적인 기간 동안만 공연하기도 한다. 하지만 일부 공연의 경우 호평을 받거나 흥행을 했을 때 계약을 연장하거나 무제한 공연으로 전환하기도 한다. 2007년 공연한 8월: 오세이지 카운티가 그런 경우였다.
역사적으로, 브로드웨이에서는 연극보다는 뮤지컬이 훨씬 더 오래 공연한다. 2006년 1월 9일 마제스틱 씨어터에서 초연한 오페라의 유령 (The Phantom of the Opera)은 7486회의 연속 공연으로 이전에 최다 연속 공연 기록을 가지고 있던 캐츠 (Cats)를 누르기도 하였다.[14]
관객 [ 편집 ]
브로드웨이 공연을 보는 것은 뉴욕 여행에서 매우 일반적인 코스로, 매년 브로드웨이 연극은 10억 달러 이상의 매출을 기록하고 있어[3] 근처 레스토랑과 호텔의 수입에도 큰 이익을 주고 있다. TKTS 부스는 많은 브로드웨이, 오프브로드웨이 연극의 당일 티켓 (그리고 때로는 다음날 마티네 공연 티켓) 25%, 35%, 또는 50% 할인하여 팔고 있다. (TKTS 부스는 맨해튼 하부의 타임즈 스퀘어 안에 있는 더피 스퀘어에 위치하고 있다.) 이 서비스는 공연 흥행에는 물론 투어리스트들이 여유 있게 공연을 관람하도록 도와주고 있다. 많은 브로드웨이 극장에는 학생 할인, 당일 “떨이 (rush)” 표 또는 “복권식 (lottery)” 표나 입석을 팔아 매출을 극대화시킨다.[15]
2007~2008년 시즌 브로드웨이 연극 관람객의 총 수는 1227만 명으로, 이전 시즌 (2006-2007)의 기록과 비슷하였다.[16] 비교를 하자면, 런던의 웨스트엔드 극장의 경우 2007년 한 해 동안 1360만 명의 사람이 찾았다고 보고하였다.[17]
오프브로드웨이와 투어 [ 편집 ]
극장의 분류는 연극 배우 노동 조합에 의해 규정되고 있다. 토니상을 받기 위해서는, 500석 이상을 제공하는 씨어터 디스트릭트의 극장, 즉 브로드웨이 극장에서 상연하는 공연이어야한다. 오프 브로드웨이 그리고 오프 오프 브로드웨이 공연의 경우 브로드웨이 연극보다 더 실험적이고, 과감하고 관객과 친밀한 공연들을 하곤 한다. 하지만 헤어 (Hair), 리틀 샵 오브 호러즈 (Little Shop of Horrors), 스프링 어웨이크닝 (Spring Awakening), 렌트 (Rent), 애비뉴 큐 (Avenue Q), 인 더 하이츠 (In the Heights) 같은 브로드웨이 공연의 경우는 오프브로드웨이 쇼로 시작하였다가, 이후 브로드웨이 공연으로 전환하여 더 큰 극장을 찾는 관객들과 의사 소통을 시도하고 있다.
브로드웨이에서 흥행을 거두고 나면, 제작자들은 종종 극단에 새로운 배우와 스탭을 고용한 후 전국 투어에 나선다 – 때로는 투어를 간 도시에 “눌러 앉아” 장기 공연을 하는 경우도 많다. 전국 투어는 대도시를 상대로 하므로, 중소 규모의 도시는 “버스와 트럭” 투어로 찾아가게 되는데, 이는 비행기를 사용하지 않고 극단은 버스로, 무대 장비는 트럭으로 옮기기 때문에 붙여진 별명이다. 이런 투어는 빠듯한 예산과 스케줄을 이유로 1주일 동안 두 개의 도시에서 공연하는 경우가 많으며, “일일 공연”도 적지 않게 한다. 대형 투어의 경우는 한 도시 당 최소 1~2주는 공연한다. 한편 브로드웨이 리그에서는 투어링 브로드웨이 상을 제정하여 훌륭한 공연 투어를 시상하기도 한다.
토니상 [ 편집 ]
브로드웨이 제작사와 예술가들은 매년 6월 미국연극협회와 브로드웨이 리그가 시상하는 앙트와네트 페리 상 (토니상)의 후보가 된다. 토니상은 브로드웨이에서 가장 권위가 높은 상으로, 특히 해마다 텔레비전을 통해 생방송되기 시작하면서 권위가 높아졌다. 시청률을 높이기 위해 쇼 호스트는, 연극과 큰 관계가 없더라도 유명인사들이 맡곤 한다.[18]
비평가들 사이에선 토니상이 연극 무대에 초점을 좀 더 맞춰야한다는 의견이 있는 반면, 이 시상식을 통해 사람들이 연극 배우의 얼굴을 익혀 극장으로 찾아가게 만들고, 그에 따라 티켓 판매율을 높이는 긍정적인 효과가 있다고 말하는 사람들도 있다. 브로드웨이 뮤지컬 공연의 TV 방영 역시 많은 브로드웨이 공연의 생존과 직결되는 것으로 비춰지고 있다. 여러 연극계 종사자들, 예를 들면 프랭크 리치 같은 비평가들은 토니 시상식은 브로드웨이라는 좁은 세상을 알리는 광고이며, 그것도 해마다 겨우 24편 정도의 작품 밖에 지지할 수 없고, 오프브로드웨이 쇼에 대한 관심도 필요하다고 주장한다. (드라마 데스크상이나 외부 비평가 그룹상의 경우 후보가 브로드웨이에만 한정되어있지 않고, 전국에서 상연하는 작품들을 대상으로 한다.)
브로드웨이 극장 목록 [ 편집 ]
극장 주소 수용 관객 앰버서더 극장 219 웨스트 49번가 1125 아메리칸 에어라인 극장 229 웨스트 42번가 740 브룩스 앳킨슨 극장 256 웨스트 47번가 1044 에델 배리모어 극장 243 웨스트 47번가 1096 비비안 뷰몬트 극장 (링컨 센터에 위치) 150 웨스트 65번가 1080 벨라스코 극장 111 웨스트 44번가 1018 부스 극장 222 웨스트 45번가 785 브로드허스트 극장 235 웨스트 44번가 1186 브로드웨이 극장 1681 브로드웨이 1752 서클 인 더 스퀘어 극장 235 웨스트 50번가 623 코트 극장 138 웨스트 48번가 1084 사무엘 J. 프리드먼 극장 261 웨스트 47번가 650 조지 거슈윈 극장 222 웨스트 51번가 1933 존 골든 극장 252 웨스트 45번가 805 헬렌 헤인즈 극장 240 웨스트 44번가 597 힐튼 극장 213 웨스트 42번가 1813 알 허시펠트 극장 302 웨스트 45번가 1437 임페리얼 극장 249 웨스트 45번가 1421 버나드 B. 제이콥스 극장 242 웨스트 45번가 1078 월터 커 극장 219 웨스트 48번가 947 롱에이커 극장 220 웨스트 48번가 1096 룬트-폰테인 극장 205 웨스트 46번가 1475 라이시엄 극장 149 웨스트 45번가 924 마제스틱 극장 247 웨스트 44번가 1655 마르퀴 극장 1535 브로드웨이 1604 헨리 밀러스 극장 124 웨스트 43번가 1055 민스코프 극장 200 웨스트 45번가 1710 뮤직 박스 극장 239 웨스트 45번가 1010 네덜란더 극장 208 웨스트 41번가 1217 뉴 암스테르담 극장 214 웨스트 42번가 1747 유진 오닐 극장 230 웨스트 49번가 1108 팰러스 극장 1564 브로드웨이 1784 리차드 로저스 극장 226 웨스트 46번가 1368 제럴드 쇼엔펠트 극장 236 웨스트 45번가 1079 슈베르트 극장 225 웨스트 44번가 1521 닐 사이먼 극장 250 웨스트 52번가 1297 세인트 제임스 극장 246 웨스트 44번가 1623 스튜디오 54 254 웨스트 54번가 920 어거스트 윌슨 극장 245 웨스트 52번가 1275 윈터 가든 극장 1634 브로드웨이 1513
더 보기 [ 편집 ]
각주 [ 편집 ]
참고 서적 [ 편집 ]
Green, Stanley; Green, Kay (1996) [1985]. 《Broadway Musicals: Show By Show》 5판. Milwaukee: Hal-Leonard Corporation. ISBN 0-7935-3083-0 .
Morrison, William (1999). 《Broadway Theatres: History and Architecture》 (페이퍼백) . Mineola, New York: Dover Publications. ISBN 0-486-40244-4 .
외부 링크 [ 편집 ]
일반
리뷰
시상식 및 서비스 단체
제작자 및 노조
브로드웨이 극장
뉴욕의 극장 유형
이 기사는 극장의 종류에 관한 것이다. 개별 극장은 브로드웨이 극장(53번가)을 참조하십시오. 기타 용도는 Broadway Theatre(동음이의인 설명)를 참조하십시오.
브로드웨이 [nb 1]극장 또는 브로드웨이는 뉴욕시 [1][2]맨해튼 미드타운에 위치한 극장 구역과 브로드웨이를 따라 링컨 센터에 각각 500석 이상의 좌석을 갖춘 41개의 프로 극장에서 공연되는 연극 공연이다. 브로드웨이와 런던의 웨스트엔드는 모두 영어권 [3]최고 수준의 라이브 극장을 상징합니다.
이 도로는 디스트릭트와 41개의 극장의 컬렉션과 같은 이름이고 타임스퀘어와도 밀접하게 관련되어 있지만 브로드웨이 자체에 위치한 극장은 3개뿐입니다(브로드웨이 극장, 팰리스 극장, 윈터 가든 극장). 나머지는 웨스트 41번가 타임스퀘어에서 남쪽으로 한 블록 떨어진 네더랜더 극장에서 브로드웨이 양쪽을 따라 북쪽으로 53번가까지 뻗어 있는 교차로에서 웨스트 65번가 링컨 센터의 비비안 보몬트 극장까지 번호가 매겨진 교차로에 위치해 있습니다. 예외는 존재하지만, “브로드웨이 극장”이라는 용어는 일반적으로 최소 500명 이상의 좌석을 수용할 수 있는 장소를 위해 예약되어 있다. 뉴욕의 소규모 극장은 오프브로드웨이(위치에 관계없이)라고 불리는 반면, 매우 작은 극장은 오프브로드웨이(석수가 100석 미만)라고 불리며, 이 용어는 비영리 또는 아방가르드 극장 또는 전통적인 극장장 밖에서 열리는 [4]프로덕션에도 적용될 수 있습니다.
Theater District는 뉴욕에서 인기 있는 관광 명소이다. The Broadway League에 따르면, 2018-2019 시즌(2019년 5월 26일 종료)의 총 관객 수는 14,768,254명이었고 브로드웨이 쇼는 US$1,829,312,140의 총 관객 수를 기록했으며, 9.5%, 총 관객 수 10.3%,[5] 총 9.3%의 증가율을 보였다.
대부분의 브로드웨이 쇼는 뮤지컬이다. 역사학자 마틴 셰프터는 브로드웨이 뮤지컬이 로저스와 해머스타인의 작품에서 정점을 찍은 것이 미국 대중문화의 큰 영향을 미쳤다며 뉴욕을 세계 [6]문화 수도로 만드는데 기여했다.
역사
뉴욕의 얼리 극장
뉴욕의 첫 번째 중요한 극장 존재는 배우 매니저인 월터 머레이와 토마스 킨이 Nassau Street의 Theatre에 약 280명을 수용하는 상주 극단을 설립했을 때 1750년에 시작되었다. 그들은 셰익스피어 연극과 거지 오페라 [7]같은 발라드 오페라를 선보였다. 1752년, 윌리엄 할람은 12명의 배우들로 구성된 중대를 그의 동생 루이스와 함께 식민지로 보냈다. 그들은 버지니아주 윌리엄스버그에 극장을 설립했고 베니스의 상인과 해부학자로 개관했다. 이 회사는 1753년 뉴욕으로 건너가 데이먼과 필리다와 같은 발라드 오페라와 발라드 연극을 공연했다. 독립 전쟁은 뉴욕의 극장을 중단시켰지만, 그 후 채텀 거리에 2,000석 규모의 공원 [7]극장이 지어진 해인 1798년에 재개되었다. 보워리 극장은 1826년에 [8]문을 열었고, 다른 극장이 그 뒤를 이었다.
1840년대에 P.T. Barnum은 Lower Manhattan에서 엔터테인먼트 복합단지를 운영하고 있었다. 1829년 브로드웨이와 프린스 스트리트에 니블로 가든이 문을 열었고 곧 뉴욕 최고의 나이트 스팟 중 하나가 되었다. 3,000석 규모의 이 극장은 모든 종류의 뮤지컬과 비뮤지컬 엔터테인먼트를 선보였다. 1844년 팔모의 오페라 하우스는 파산이 나기 전 4시즌 동안만 문을 열고 오페라를 상연했고, 그 결과 버튼스 극장이라는 이름으로 연극의 장소로 재상장했다. 아스토르 오페라 하우스는 1847년에 문을 열었다. 1849년 보워리 극장의 하층 후원자들이 애스터 플레이스의 상류층 관객들에 의해 속물근성에 반대하면서 폭동이 일어났다: “1849년 애스터 플레이스 폭동 이후, 뉴욕시의 오락은 계급에 따라 나뉘었다: 오페라는 주로 상류층, 상류층, 음유시인 쇼와 멜로드라마를 위한 것이었다. 중산층은 서민과 빈민층 [9]중산층을 위한 콘서트 술집에서 버라이어티 쇼를 한다.
윌리엄 셰익스피어의 연극은 이 기간 동안 브로드웨이 무대에서 자주 공연되었는데, 특히 햄릿 역으로 국제적으로 알려진 미국인 배우 에드윈 부스에 의해 가장 두드러졌다. 부스는 1865년 윈터가든 극장에서 유명한 100회 연속 공연을 했고 (부스의 형 존 윌크스 부스가 에이브러햄 링컨을 암살하기 불과 몇 달 전에 종영), 나중에 그의 동생 주니어스 브루투스 주니어가 운영했던 그의 부스의 극장에서 그 역할을 부활시켰다. 이 시대에 뉴욕에 등장한 다른 유명한 셰익스피어로는 헨리 어빙, 토마소 살비니, 패니 데이븐포트, 찰스 페흐터 등이 있다.
뮤지컬의 탄생과 남북전쟁 이후
뉴욕의 극장은 1850년경부터 저렴한 부동산을 찾아 도심에서 맨해튼 중심부로 점차 옮겨갔다. 19세기 초, 현재 극장가를 구성하고 있는 이 지역은 소수의 가족들이 소유했고 몇 개의 농장을 구성했다. 1836년, 코넬리우스 로렌스 시장은 42번가를 열었고 “깨끗한 [10]공기를 즐기라”고 맨해튼 사람들을 초대했다. 거의 60년 후, 연극 사업가 오스카 해머스타인 1세는 웨스트 42번가에 [10]상징적인 빅토리아 극장을 지었다.
브로드웨이의 첫 “장기” 뮤지컬은 1857년 엘프라고 불리는 50회 공연 히트작이었다. 1870년에 브로드웨이의 중심은 유니언 스퀘어에 있었고, 세기 말에는 많은 극장이 매디슨 스퀘어 근처에 있었다. 극장은 1900년대 초에 타임스퀘어 지역에 도착했고 브로드웨이 극장은 1920년대와 1930년대에 광장 주변에 많은 수의 극장이 지어진 후에 그곳에 통합되었다. 뉴욕 공연은 런던 [11]공연보다 한참 뒤처졌지만 로라 킨의 “뮤지컬 버렛타”(1860년)는 253회의 공연으로 이전 뉴욕 공연 기록을 깼다. 에이브러햄 링컨이 총에 맞은 것은 워싱턴 D.C.에서 열린 킨의 아메리칸 사촌 공연이었다.
일부 역사가들에 의해 최초의 [12]뮤지컬로 여겨지는 블랙 크룩(1866년). 1873년 키랄피 형제의 부활 포스터.
뮤지컬의 현대적 개념에 부합하는 최초의 극장 작품은 무용과 이야기를 전달하는 데 도움을 준 독창적인 음악을 추가한 것으로 1866년 9월 12일 뉴욕에서 초연된 The Black Crook으로 여겨진다. 이 작품은 5시간 30분 동안 제작되었지만, 그 길이에도 불구하고 474회의 기록적인 공연을 했다. 같은 해, The Black Domino/Between You, Me and the Post는 스스로를 “뮤지컬 코미디”[12]라고 부르는 첫 번째 쇼가 되었다.
토니 파스터는 1881년 유니언 광장에서 동쪽으로 한 블록 떨어진 곳에 최초의 보드빌 극장을 열었고, 그곳에서 릴리안 러셀이 공연을 했다. 코미디언 에드워드 해리건과 토니 하트는 1878년과 1890년 사이에 브로드웨이에서 해리건의 책과 작사, 그의 장인 데이비드 브라함의 음악으로 뮤지컬을 제작하고 주연을 맡았다. 이 뮤지컬 코미디들은 뉴욕의 하층민들의 일상 생활에서 따온 인물들과 상황들을 다루었고 보드빌과 벌레스크에서 좀 더 문맹스러운 형태로 나아가는 중요한 발걸음을 상징했다. 그들은 초기 음악 형식으로 출연했던 아마추어들, 종종 성노동자들 대신 수준 높은 전문 가수들 (릴리안 러셀, 비비안 시걸, 페이 템플턴)을 출연시켰다.
교통수단이 개선되고, 뉴욕의 빈곤이 줄었으며, 야간에는 가로등이 안전한 여행을 위해 만들어지면서, 극장의 잠재적인 후원자 수가 엄청나게 증가하였다. 연극은 더 오래 공연되고 관객은 여전히 끌어 모을 수 있으며, 이로 인해 수익과 제작 가치가 향상될 수 있습니다. 영국에서와 같이, 세기 후반 동안, 극장은 청소되기 시작했고, 여성들이 극장에 가는 것을 방해하는 매춘이 줄어들었습니다. 1878년 H.M.S. Pinafore를 시작으로 한 길버트와 설리반의 가족 친화적인 코믹 오페라 히트작들은 뉴욕으로 수입되었다. 그것들은 레지날드 데코븐의 로빈 후드 (1891년)와 존 필립 수사의 엘 캐피탄 (1896년)과 같은 미국 작품과 오페라, 발레, 그리고 다른 영국과 유럽의 히트곡들에 의해 뉴욕에서 모방되었다.
‘브로드웨이에게 안부 전해줘’ 악보
찰스 H. 호이트의 차이나타운 여행(1891)은 1893년 657회 공연의 무대를 차지하며 아도니스와 603회 공연을 제치고 브로드웨이 장기 챔피언이 됐다. 차이나타운은 1921년 뮤지컬 아이린(1919년)이 브로드웨이에서 가장 오래 공연한 뮤지컬로 추월되었고, 그보다 더 이른 1920년 3월에는 라이트닌(1918년)이 브로드웨이에서 가장 오래 공연한 뮤지컬로 추월되었다. 1896년, 극장 소유주 마크 클로와 A. L. 어레인저는 극장 신디케이트를 결성했고, 이후 [13]16년 동안 미국의 거의 모든 합법적인 극장을 통제했다. 하지만, 작은 보드빌과 다양한 주택들이 증가했고, 오프브로드웨이는 19세기 말에 잘 설립되었다.
The Trip to Coontown (1898)은 흑인들에 의해 브로드웨이 극장에서 제작되고 공연된 최초의 뮤지컬 코미디였고 (음유시인 쇼의 루틴에서 많은 영감을 받았다), 그 뒤를 래그타임으로 색칠한 클로린디가 뒤따랐다. ‘케이크워크의 기원'(1898년)과 ‘인다호메이'(1902년). 1890년대와 1900년대 초 브로드웨이에서는 거스 에드워즈, 존 월터 브래튼, 조지 M과 같은 작곡가들이 참여한 수백 편의 뮤지컬 코미디가 공연되었다. 코한(1904년), 브로드웨이에서 45분(1906년), 조지 워싱턴 주니어(1906년). 그럼에도 불구하고,[11] 뉴욕 공연은 런던 공연과 비교해 몇 가지 예외를 제외하고는 비교적 짧은 기간 동안 계속되었다. 1900-01년 플로로도라를 포함하여 몇몇 매우 성공적인 영국 뮤지컬들이 뉴욕에서 큰 성공을 거두었다.
20세기 초반
빅터 허버트
20세기 초, 인기 있는 19세기 후반의 대륙 오페레타의 번역은 P. G. Wodehouse, Guy Bolton, 그리고 Harry B와 같은 작가들에 의한 1910년대의 “프린세스 극장” 쇼와 함께 이루어졌다. 스미스. 빅터 허버트. 그의 작품은 유명한 오페레타(1898년), 토이랜드의 베이브스(1903년), 밀레 등 현대 배경의 친밀한 뮤지컬 연극을 포함하고 있다. 모디스트(1905년), 레드밀(1906년), 개구쟁이 마리에타(1910년).[14]
The Red Mill을 시작으로 브로드웨이 쇼는 극장 밖에 전광판을 설치했다. 색깔 있는 전구들이 너무 빨리 타버리기 때문에, 하얀 조명이 사용되었고 브로드웨이는 “The Great White Way”라는 별명을 얻었다. 1919년 8월, 배우평등협회는 모든 전문 제작에 대한 표준 계약을 요구했다. 파업으로 모든 극장이 문을 닫은 후 제작자들은 이에 동의할 수밖에 없었다. 1920년대에 슈버트 형제는 어레인저 [15]신디케이트로부터 극장의 대부분을 인수하기 위해 일어섰다.
이 기간 동안 윈셸 스미스와 프랭크 베이컨의 연극 ‘라이트닌’은 브로드웨이에서 700회 공연을 기록한 첫 번째 공연이 되었다. 그 이후로, 그것은 1,000회의 공연을 달성한 첫 번째 쇼가 될 것이다. 라이트닌’은 1925년 에이비의 아이리쉬 로즈에 의해 공연 총계에서 추월되기 전까지 브로드웨이에서 가장 오래 공연된 쇼였다.
영화와의 경쟁
뉴욕시 세인트 38번지에서 북쪽 브로드웨이는 카지노와 니커보커 극장(“Listen, Lester”)을 보여주며 1918년 12월 23일부터 1919년 8월 16일까지 니커보커를 연주했다.이는 39번가에서 보이지 않는 맥신 엘리엇 극장을 가리키는 표지판과 윈터 가든을 광고한다. f 50번가에서 볼 수 있습니다. 윈터 가든을 제외한 모든 것이 파괴되었다. 왼쪽에는 오래된 메트로폴리탄 오페라 하우스와 오래된 타임스 타워가 보인다.
그 영화는 무대에 도전장을 던졌다. 처음에 영화들은 침묵했고 제한된 경쟁만을 보여주었다. 1920년대 말까지, 재즈 싱어 같은 영화들이 싱크로나이즈드 사운드를 선보였고 비평가들은 영화관이 라이브 극장을 완전히 대체할지에 대해 의아해했다. 라이브 보드빌은 보드빌 스타들과 당시의 주요 코미디언들이 출연한 이 저렴한 영화들과 경쟁할 수 없었지만, 다른 극장들은 살아남았다. 보드빌, 뮤직홀, 그리고 다른 가벼운 엔터테인먼트를 차용한, 명랑한 20년대의 뮤지컬들은, 스타 배우들과 큰 댄스 루틴, 그리고 대중가요를 강조하기 위해 줄거리를 무시하는 경향이 있었다. 플로렌츠 지그펠트는 브로드웨이에서 호화로운 세트와 정교한 의상을 특징으로 하는 매년 화려한 노래와 춤 공연을 연출했지만, 다양한 공연들을 한데 묶을 수 있는 것은 거의 없었다. 1920년대의 전형적인 작품들은 샐리, 레이디 비 굿, 써니, 아니, 아니, 나네트, 할렘, 오, 케이, 그리고 퍼니 페이스와 같은 가벼운 작품들이었다. 그들의 책들은 잊혀질 수도 있었지만, 그들은 조지 거슈윈, 콜 포터, 제롬 컨, 빈센트 유만, 로저스와 하트, 그리고 노엘 코워드, 지그문트 롬버그, 그리고 루돌프 프리믈로부터 영구적인 기준을 만들어 냈고 빅터 허버트의 맥을 이어갔다. 라이브 극장은 영화의 발명에 살아남았다.
전쟁 사이
비교적 경박한 오락은 뒤로 하고 드라마를 한 단계 발전시킨 쇼보트는 1927년 12월 27일 지그펠트 극장에서 초연되었다. 음악, 대화, 설정, 무브먼트를 통해 전해지듯 책과 악보의 완벽한 통합을 표현했고 이전 뮤지컬보다 더 매끄럽게 엮였다. 572회 공연을 [16]했다.
랄프 바튼의 1925년 2월 21일자 Judge 잡지의 표지에는 1920년대 다양한 영화 및 연극계 인사들의 캐리커처가 실려 있습니다. 캐리커처를 클릭하면 해당 인물의 위키피디아 기사로 옮겨집니다.
1920년대는 또한 유진 오닐의 출현으로 미국 극작가의 새로운 시대를 낳았는데, 그의 희곡 비욘드 더 호라이즌, 안나 크리스티, 털 많은 유인원, 이상한 막간, 그리고 애도하는 일렉트라는 브로드웨이에서 진지한 드라마를 위한 관객이 있었다는 것을 증명했고, 오닐의 성공은 라이샤트처럼 주요 극작가를 위한 길을 닦았다. 앤더슨, 로버트 E. 셔우드, 클리포드 오데츠, 테네시 윌리엄스, 아서 밀러, 그리고 조지 S. 카우프만과 모스 하트 같은 코미디 작가들. 클래식 리바이벌은 브로드웨이 극장가들에게 인기를 끌었는데, 특히 햄릿과 리처드 3세의 존 배리모어, 햄릿의 존 길거드, 시라노 드 버거락의 월터 햄든과 호세 페러, 폴 로브슨과 모리스텔로의 페러 등이었다. 로미오와 줄리엣, 안토니우스와 클레오파트라, 칸디다 같은 연극에서는 rd 쇼와 캐서린 코넬이 나온다.
제2차 세계대전이 다가오면서, 십여 개의 브로드웨이 드라마들이 유럽의 나치즘의 부상과 미국의 불개입 문제를 다루었다. 가장 성공적인 것은 1941년 [17]4월에 문을 연 라인강의 릴리안 헬만 시계였다.
전후 시대
대공황의 불황 이후 브로드웨이 극장은 1943년 2,212회 공연된 블록버스터 영화 오클라호마로 황금기에 접어들었다. 브로드웨이 뮤지컬에 대한 존 켄릭의 글에 따르면, “매 시즌 새로운 무대 뮤지컬이 차트 상위권에 오르는 것을 보았다. 대중의 수요, 호황의 경제, 풍부한 창조적 재능은 브로드웨이를 계속 뛰어오르게 했다. 오늘날까지 1950년대 공연은 뮤지컬 레퍼토리의 [18]핵심을 이루고 있습니다.
1960년대 후반의 감소
켄릭은 “1960년대 후반은 문화적 격변의 시기였다. 이 모든 변화는 [19]관객뿐만 아니라 무대 뒤의 사람들을 포함한 많은 사람들에게 고통스러울 것입니다.” 1970년대에 대해 켄릭은 다음과 같이 쓰고 있다: “전통적인 책 뮤지컬이 다시 유행하는 것처럼 보였을 때, 비평가와 관객이 엇갈린 [20]신호를 보내면서 10년은 끝났다.”
Ken Bloom은 “1960년대와 1970년대에 이 지역이 [21]악화되었고 브로드웨이에서 제작되는 합법적인 공연의 수가 감소했다”고 말했다. 그에 비해 1950~1951년 시즌(5~5월)에는 브로드웨이에서 94개 작품이 개봉했고 1969~1970년 시즌(6~5월)에는 59개 작품(리바이벌 [22][23]15개)이 있었다. 20년대에는 7080개의 극장이 있었지만 1969년에는 36개의 [24]극장이 남아있었다.
1980년대 초 부활
1982년 초, The Public Theatre를 설립한 연극 제작자이자 연출가인 Joe Papp은 “Save the Theatres”[25] 캠페인을 이끌었다. 이 단체는 Actors Equity 노조의 지원을 받은 비영리 단체로, 맨해튼 개발 [26][27][28][29]이익 단체들의 자금으로 인근 극장 건물들을 철거로부터 구했습니다. Papp은 자원을 제공하고, 홍보 담당자와 유명 배우를 모집했으며,[27] 오디오, 조명 및 기술 팀을 지원했습니다.
1982년 7월 팹의 요청으로 97대 의회에서 “H.R.6885, 뉴욕시의 브로드웨이/타임스퀘어 극장 지구를 국가 [30]사적으로 지정하는 법안”이라는 제목의 법안이 제출되었습니다. 그 법률은 그 [30]지역을 보존하는 것을 돕기 위해 미국 정부의 특정 자원과 지원을 제공했을 것이다. 에드 코흐 시장 행정부와 기업 맨해튼 개발 이해당사자들의 강력한 반대와 로비에 직면했지만 이 법안은 통과되지 못했다. The Save the The The Theaters 캠페인은 그 후 The Theater District를 등록된 [31][32]역사 지구로 설립하는 것을 지원하는 데 노력을 기울였다. 1983년 12월, 세이브 더 시어터스는 “브로드웨이 극장 지구, 보존 개발 및 관리 계획”을 준비했고, 그 지역의 각 극장이 랜드마크 [32]지정을 받을 것을 요구했다. 에드 코흐 시장은 결국 팹을 [27]포함한 연극자문위원회를 만들어 대응했다.
근년
미국의 COVID-19 대유행으로 인해 브로드웨이 극장은 2020년 3월 12일에 문을 닫았고, 상영 중이거나 개봉을 진행 중인 16개의 공연을 중단했다. 브로드웨이 리그 폐쇄는 처음에는 4월, 그 다음에는 5월, 6월, 2020년 9월과 2021년 [33]1월, 그리고 나중에는 2021년 [34]6월 1일로 연장되었다. 앤드류 쿠오모 당시 주지사는 2021년 5월 19일 뉴욕 대부분의 구역에서 규제를 풀 것이라고 발표했지만, 그는 물류상의 이유로 브로드웨이 극장이 이날 공연을 즉시 재개할 수 없을 것이라고 말했다. 2021년 5월, 쿠오모는 브로드웨이 극장이 9월 14일에 재개장할 것이라고 발표했고 리그는 가을 [35]시즌에 공연이 재개될 것이라고 확인했다.
브로드웨이의 스프링스틴은 2021년 6월 26일 세인트 제임스 [36]극장에서 백신 접종을 받은 1,721명의 손님들에게 공연을 재개한 첫 번째 장편 쇼가 되었다. 그 후 패스오버는 8월 4일 첫 시사회를 가졌으며 2021년 8월 22일 개막하여 새로운 연극으로는 처음으로 [37][38]막을 올렸다. 해드스타운과 웨이트리스는 2021년 [39]9월 2일 공연을 재개한 첫 번째 뮤지컬이었다. 제74회 토니상 또한 연기되었다.[40] 토니상 후보 지명은 2020년 10월 15일에 발표되었고 [41]2021년 9월 26일에 열렸다.
COVID-19 폐쇄 기간 동안 슈버트 조직, 네델랜더 조직, 주잠신은 흑인 연극인을 [42]위해 최소한 한 개의 극장을 명명하는 것을 포함하여 그들의 극장에 인종과 문화적 다양성을 늘리겠다고 약속했다. Jujamcyn이 소유한 August Wilson 극장은 2005년 [43]흑인 극작가 August Wilson의 이름을 따서 개명되었다. 슈버츠는 2022년 3월 당시 리노베이션 중이었던 코트 극장이 배우 제임스 얼 존스의 이름을 따서 개명할 것이며 재개관 [44][45]시 다시 단장될 것이라고 발표했다. 2022년 6월, 네델란더스는 브룩스 앳킨슨 극장이 레나 [46][47][43]혼의 이름을 따서 개명할 것이라고 발표했다.
묘사
스케쥴
일부 예외는 있지만, 오픈 엔드 상영이 있는 쇼는 일반적으로 화요일부터 토요일까지 저녁 공연이 있으며 오후 7시 또는 8시 “커튼”이 있습니다. 오후 공연 ‘마티네’는 수요일과 토요일 오후 2시, 일요일 오후 3시입니다. 이로써 주 8회 공연을 할 수 있게 되었습니다. 이 스케줄에서는 월요일에는 대부분의 쇼가 상영되지 않으며, 그날은 [48][49]쇼와 극장이 “어두운” 것으로 알려져 있다. 이 쇼의 배우들과 제작진들은 일요일 저녁부터 월요일 저녁까지를 주말로 여기는 경향이 있다. 토니상 시상식은 보통 이 일정에 맞춰 6월 일요일 저녁에 열립니다.
최근 몇 년 동안 일부 쇼는 화요일 쇼 타임을 [48]오후 7시로 한 시간 앞당겼다. 이 같은 움직임의 근거는 주중에는 공연을 관람하는 관광객이 줄어들기 때문에 화요일 참석은 지역 손님들에게 더 의존하기 때문이다. 더 이른 커튼으로 인해 교외의 고객들은 공연 후 합리적인 시간까지 집에 도착할 수 있다. 몇몇 쇼들, 특히 디즈니에서 제작한 쇼들은 시즌에 따라 공연 일정을 꽤 자주 바꾼다. 이것은, 타겟의 유저에의 액세스를 최대화하기 위해서 행해집니다.
제작자 및 극장주
대부분의 브로드웨이 제작자와 극장 소유주는 브로드웨이 극장 전체를 홍보하고, 다양한 극장 노조와 계약을 협상하고, 길드와 토니상을 공동 관리하는 무역 조직인 브로드웨이 리그(이전 “The League of American Theatre and Producers”)의 회원이다. 윙, 봉사단체입니다. 리그와 연극 조합은 새로운 계약이 협상되는 기간 동안 때때로 갈등을 빚지만, 그들은 또한 뉴욕의 전문 극장을 홍보하기 위해 고안된 많은 프로젝트와 행사에 협력한다.
브로드웨이 극장이 있는 4개의 비영리 극단 중 4개(링컨 센터 극장, 맨해튼 극장 클럽, 라운더바웃 극장, 세컨드 스테이지 극장)는 모두 레지던트 극장 리그에 속해 있으며 다른 브로드웨이 극장 및 제작사와 별도로 협상된 극장 연합과 계약을 맺고 있습니다. 또한 리벤트가 사업을 종료하기 전처럼 리그와는 별도로 협상합니다.)
브로드웨이 극장의 대부분은 세 개의 단체가 소유하고 있다: 17개의 극장을 소유하고 있는 비영리 단체인 슈버트 재단의 영리 단체인 슈버트 조직, 9개의 극장을 소유하고 있는 네더랜더 조직, 그리고 5개의 브로드웨이 극장을 소유하고 있는 주잠신.
인사
브로드웨이의 뮤지컬과 무대 연극은 종종 더 많은 관객을 끌어모으거나 새로운 관객을 극장으로 불러들이기 위해 잘 알려진 배우들을 주연으로 캐스팅하는 것에 의존한다. 영화나 텔레비전의 배우들은 브로드웨이 쇼의 재연을 위해 자주 캐스팅되거나 출연자를 떠나는 배우들을 대체하기 위해 사용된다. 하지만 여전히 주로 무대 배우로 대부분의 시간을 “보드에서” 보내고 텔레비전과 스크린 역할에 보조 출연하는 배우들도 있다. 뉴욕타임스의 패트릭 힐리는 다음과 같이 말했다.
브로드웨이에는 한때 네이선 레인이 Addams Family에 출연했던 것처럼 1년 동안 공연을 위해 헌신한 많은 국내 스타들이 있었다. 2010년, 레인 씨와 같은 몇몇 극장 거물들은 후보에 오르지도 못했다; 대신에, 많은 영화 스타 배우들이 다른 [50]약속으로 옮겨야 한다는 점을 고려할 때, 브로드웨이에서 항상 단시간 출연을 의도한 작품들에 대해 몇 개의 토니상이 주어졌다.
Mark Shenton에 따르면, “지난 10여 년 동안 대서양 양쪽의 상업적인 극장 풍경에서 가장 큰 변화들 중 하나는 대스타들이 연극을 하는 것을 목격하는 것은 증가했지만, 그들이 할 준비가 되어 있는 것은 감소했다는 것입니다. 예전에는 프로듀서가 6개월, 어쩌면 1년이라는 스타에게 최소한의 헌신을 요구했지만, 지금은 13주 동안 진행되는 [51]것이 일반적입니다.”
브로드웨이 오케스트라의 최소 규모는 음악가 조합(현지 802년, 미국 음악가 연맹)과 브로드웨이 리그와의 협정에 의해 결정된다. 예를 들어, 이 협정은 민스코프 극장의 오케스트라 최소 규모를 18명으로 규정하는 반면, 뮤직 박스 극장의 오케스트라 최소 규모는 [52]9명으로 규정한다.
실행
다음 항목도 참조하십시오. 브로드웨이 최장수 공연 목록
대부분의 브로드웨이 쇼는 제작자와 투자자를 위한 이윤을 남기기 위한 상업적인 제작물이며, 따라서 그들의 프레젠테이션의 길이는 미리 정해진 것이 아니라 비판적인 반응, 입소문, 그리고 효과성에 달려있다는 것을 의미한다. 이 모든 것이 티켓 판매를 결정하는 쇼의 광고입니다. 상업적 생산에 투자하는 것은 다양한 수준의 재정적 위험을 수반한다. 쇼는 당장 수익을 낼 필요는 없다; 만약 그들이 그들의 “넛”을 만들거나 제작자들이 받아들일 수 있는 비율로 돈을 잃는다면, 그들은 결국 그들의 초기 비용을 갚고 수익을 낼 것이라는 기대 속에 계속 운영될 것이다. 일부 경계 상황에서는 제작자들이 공연 종료를 막기 위해 로열티를 일시적으로 줄이거나 면제해 줄 것을 요청하거나 심지어 출연자들도 노조의 허락을 받아 감봉해 줄 것을 요청할 수도 있다. 대부분의 프로덕션에서 일반적으로 수익을 내지 못하는 극장주들은 임대료를 포기하거나 줄이거나 심지어 공연을 계속하기 위해 돈을 빌려줄 수도 있다.
일부 브로드웨이 쇼는 정규 구독 시즌의 일부로 비영리 단체에 의해 제작됩니다. 링컨 센터 극장, 라운드 어바웃 극장 회사, 맨해튼 극장 클럽 및 세컨드 스테이지 극장은 현재 영구적인 브로드웨이 공연장을 가지고 있는 4개의 비영리 극장 회사입니다. 일부 다른 작품들은 재정적인 문제, 출연자들의 사전 약속, 한 작품의 끝과 다른 작품의 시작 사이에 극장을 일시적으로 이용할 수 있는 것 등 여러 가지 이유로 브로드웨이에서 “제한된 계약”으로 제작됩니다. 그러나 제한된 계약으로 계획된 일부 쇼는 비평가의 호평을 받거나 흥행 성공을 거둔 후 계약을 연장하거나 오픈 엔드 공연으로 전환될 수 있습니다. 2007년 8월의 경우는 다음과 같습니다. Osage County, 2009년의 God of Carnage, 2012년의 Newsies, 2022년의 Take Me Out.[53]
역사적으로, 브로드웨이 뮤지컬은 “스트레이트” 연극보다 더 긴 공연을 하는 경향이 있다. 2006년 1월 9일, 마제스틱 시어터의 오페라의 유령은 7,486회의 공연으로 [54]캣츠를 제치고 브로드웨이에서 가장 오래 공연된 뮤지컬이 되었다.
관객
브로드웨이 쇼에 참석하는 것은 뉴욕에서 흔한 관광 활동이다. TKTS 부스는 많은 브로드웨이 및 오프브로드웨이 쇼의 당일 티켓(일부 경우 다음날 공연 티켓)을 20~[55]50% 할인된 가격에 판매합니다. TKTS 부스는 타임스퀘어, 로어 맨해튼, 링컨 센터에 있습니다. 이 서비스는 극장 개발 기금에서 운영한다. 많은 브로드웨이 극장들은 또한 특별 학생 요금,[56] 당일 “러시” 또는 “로또” 티켓 또는 입석 티켓을 제공하여 극장이 최대한 꽉 차도록 하고 그들의 총 수익을 올릴 수 있도록 돕는다. The Broadway League에 따르면,[5] 2017-2018년의 1,379만 명과 비교하여 2018-2019년에는 1,477만 명의 브로드웨이 총 관객이 있었다. 브로드웨이 리그는 또한 2012-2013시즌에 [57]전체 브로드웨이 티켓의 약 66%가 관광객에 의해 구매되었으며, 이는 2011-2012시즌보다 3% 증가한 것이라고 보고했습니다. 그에 비해, 런던의 웨스트 엔드 극장은 2018년 [58]런던 중심부의 주요 상업 및 보조금 지원 극장에 총 1550만 명의 관객이 있다고 보고했다. 2017-18년 극장 시즌 브로드웨이 관객들의 평균 연령은 40세로, 거의 [59]20년 만에 가장 낮았다.
오프브로드웨이 및 오프오프브로드웨이
주요 기사: 오프브로드웨이 및 오프오프브로드웨이
극장의 분류는 Actors’ Equity Association 계약의 언어에 따라 결정된다. 토니상 수상 자격을 얻으려면 브로드웨이 극장을 정의하는 기준인 500석 이상의 주택과 Theater District에서 상연해야 합니다. 오프-브로드웨이와 오프-오프-브로드웨이 쇼는 종종 더 큰 브로드웨이 극장에서 가능한 것보다 더 실험적이고 도전적이며 친밀한 공연을 제공합니다. 그러나 뮤지컬 헤어, 리틀 숍 오브 호러, 스프링 어웨이크닝, 넥스트 투 노멀, 렌트, 애비뉴 Q, 인 더 하이츠, 펀 홈, 디어 에반 핸슨, 해밀턴과 같은 브로드웨이 쇼들은 더 큰 극장에서 그들의 친밀한 경험을 재현하기 위해 브로드웨이로 공연을 시작했다. 다른 작품들은 먼저 워크샵을 통해 개발되고 그 후 브로드웨이로 옮기기 전에 시외에서 테스트를 거칩니다. ‘즐겁게 위롤 어롱’은 시외 시사회를 건너뛰고 브로드웨이에서 시외 시사회 공연을 시도했지만 참담한 [60][61]결과를 낳았다.
브로드웨이 전국 투어
브로드웨이 극장에서의 성공적인 공연 후에, 혹은 공연 중에, 제작자들은 종종 브로드웨이 전국 투어를 위해 새로운 출연진과 제작진들로 그들의 작품을 다시 마운트한다. 때때로 브로드웨이에서 쇼가 폐막될 때, 원작의 출연진 대부분이 온전하지는 않더라도, 전체 작품이 투어 회사로 재출시된다. 그래서 “브로드웨이 내셔널 투어”라는 이름이 붙었다. 몇몇 쇼들은 쇼가 여전히 뉴욕에서 진행 중인지 아닌지에 관계없이 한 번에 여러 개의 투어 회사가 있을 수 있으며, 많은 회사들이 그들의 장기 공연을 위해 다른 주요 도시에 “앉아” 있다. 최고급 도시의 브로드웨이 전국 투어의 경우 브로드웨이 작품 전체가 거의 온전하게 이식되며 각 정류장에서 수개월(또는 수년) 동안 공연될 수 있습니다. 예를 들어, 오페라의 유령의 첫 번째 미국 투어는 그것의 모든 세트, 장비, 그리고 의상을 운반하기 위해 26개의 53피트 (16.1미터) 길이의 세미 트레일러가 필요했고, 그 모든 트럭들을 적절히 내리고 모든 것을 [62]극장에 설치하는 데 거의 10일이 걸렸다.
제2의 도시나 소도시에서도 전국 투어를 유치할 수 있지만, 이러한 투어는 「버스와 트럭」[62]투어가 될 가능성이 높다. 이들은 규모가 큰 전국 순회 공연의 축소판으로, 역사적으로 출연자들이 일반적으로 항공편이 아닌 버스로 이동하는 반면 세트와 장비는 트럭으로 이동했기 때문에 그 이름을 얻었다. 이런 유형의 투어는 대개 몇 달이 아니라 몇 주 동안 진행되며, 소규모 공연장과 빡빡한 일정을 수용하고 트럭을 [62]덜 수용할 수 있도록 물리적 생산량을 줄이는 것이 특징입니다. 전형적인 제2의 도시는 보통 [62]약 8주까지만 티켓을 판매할 수 있다. 그보다 작은 도시의 경우, 순회 공연은 일주일에 두 번(‘분할 주간’) 또는 매일(‘1박 2일’)[62] 이동할 수 있습니다. “버스와 트럭” 투어의 경우, 제작 가치는 보통 일반적인 브로드웨이 전국 투어나 전국 투어 제작보다 덜 사치스럽고, 배우들은 여전히 배우 조합에 가입되어 있지만, 다른, 덜 수익성 있는 노조 계약에 따라 보상을 받는다. 브로드웨이 리그가 시상하는 투어링 브로드웨이 어워드는 브로드웨이 투어의 우수성을 기렸다.
어워드
브로드웨이 프로덕션과 예술가들은 1947년에 [63]처음 시상된 American Theatre Wing과 The Broadway League가 매년 수여하는 앙투아네트 페리 어워드(일반적으로 “토니 어워드” 또는 “토니”로 불린다)에 의해 영예를 안았다. 토니상은 브로드웨이에서 가장 권위 있는 상으로, 할리우드 영화 제작 부문의 아카데미상과 견줄 만하다. 1967년 시상식이 국영 TV를 통해 방영되기 시작한 이후 이들의 중요성은 더욱 커졌다. 텔레비전 시청률을 높이기 위한 전략으로, 연예인들은 종종 그 쇼를 진행하도록 선택되는데, 일부는 [64]극장과 관련이 거의 없다. 가장 최근의 토니 시상식은 2022년 6월 12일에 열렸다. 브로드웨이 작품에 주어지는 다른 상으로는 1955년부터 수여된 드라마 데스크 상, 1936년에 처음 수여된 뉴욕 드라마 비평가 서클 상, 1950년에 처음 수여된 아우터 비평가 서클 상 등이 있다.
브로드웨이 극장과 현재 상연 중인 작품들
주요 기사: 브로드웨이 극장 목록
개봉일 뒤에 *가 붙어 있는 것은, 리스트 되고 있는 쇼는 아직 개봉하지 않았지만, 지정된 날짜에 그 극장에서 개봉할 예정입니다.
폐관일 뒤에 *가 있으면 이 극장에서 다른 공연이 예정되어 있음을 나타냅니다.
수용 인원은 Internet Broadway Database의 [65]각 극장 수용 인원에 따라 결정됩니다.
차기작
다음은 미래의 브로드웨이 프로덕션으로 발표되었습니다. 그들이 공연하는 극장은 아직 알려지지 않았을 수도 있고, 만약 알려진 경우 현재 다른 쇼가 점유하고 있을 수도 있다.
메모들
^ 연극은 미국에서 일반적으로 선호되는 철자법이지만(미국 및 영국 영어 철자법 차이 참조), 많은 브로드웨이 공연장, 공연자 및 무역 단체에서는 라이브 드라마틱 프레젠테이션을 위해 철자법 극장을 사용합니다.
「 」를 참조해 주세요.
레퍼런스
추가 정보
애커맨, 앨런 “자유주의, 민주주의, 그리고 20세기 미국 연극”, 미국 문학사 (2005) 17#4 페이지 765-780.
보드만, 제럴드 미국 뮤지컬 코미디 (Oxford University Press, 1982년)
보드만, 제럴드 미국 오페라 (Oxford University Press, 1981년)
그래, 레이먼드 미국 뮤지컬과 국가 정체성의 형성 (프린스턴 대학 출판부, 2005)
미드데크, 마틴 등 현대 미국 극작가의 메튜엔 드라마 가이드 (2013)
모르든, 이단 무엇이든 되는 것: 미국 뮤지컬 극장의 역사 (2013)
루데인, 매튜 찰스. 1960년 이후 미국 드라마 : 비평사 (1996년)
샤이치, 돈 미국 드라마 1900 ~1990 (2000)
스템펠, 래리 쇼타임: 브로드웨이 뮤지컬 극장의 역사 (WW Norton, 2010) 826pp.
위즈, 제럴드 클리포드 제2차 세계대전 이후 미국 드라마 (1962년)
화이트, 티모시 R. 블루칼라 브로드웨이: 미국 연극의 공예와 산업 (2014)
울프, 스테이시 영원히 바뀐다: 티웨이 뮤지컬의 페미니스트 역사 (2010)
미국 뉴욕 브로드웨이
브로드웨이는 미국 뉴욕 타임스스퀘어의 극장 지구로, 연기의 거장들과 유명한 네온 사인으로 전 세계적으로 명성을 얻고 있습니다. 쇼와 뮤지컬은 인상적인 배경에서 공연됩니다.
이스트 코스트에 있는 미국 도시 뉴욕의 브로드웨이는 맨해튼에서 가장 긴 거리의 이름을 한 손에 들고 있는데, 이는 거리와 도로의 일반적인 교차 패턴과는 대조적으로 이어지는 유일한 거리입니다. 한편, 41번가와 53번가, 6번가와 9번가 사이에 타임스퀘어의 극장 지구 이름이기도 합니다. 둘 다 뉴욕에서 우리의 상위 10 명소 중 하나입니다.
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약 40개의 주요 극장에서 전 세계적인 명성의 쇼와 연극이 이곳에서 공연됩니다 . 브로드 웨이와 타임스 스퀘어의 대형 조명 때문에 거리는 종종 “그레이트 화이트 웨이”라고합니다.
브로드웨이의 출현
1915년, 엠파이어 극장은 최초로 극장이 출범했으며, 점차 추가되었습니다. 1930년대에 사운드 필름이 등장하면서 무대 사업은 위기에 빠졌습니다. 극장의 방향 감각 전환과 새로운 작품에 대한 강력한 금융 주입을 통해만 저장 할 수 있습니다. 영화관의 경쟁이 치열해지면서 성공하기 위해서는 쇼의 품질이 크게 높아져야 했습니다.
1950년대부터 100~500석에 불과한 약 1,500개의 소규모 저가 극장이 지어졌으며, 이 극장은 대형 홀에 들어가지 못한 연극이 공연됩니다.
1980년대에 임박한 연극붕괴를 피하기 위해 많은 극장이 “역사적 장소”의 지위를 부여받았기 때문에 철거되거나 너무 많이 바뀌어서는 안 됩니다.
브로드웨이의 유명 인사
브로드웨이에서 가장 성공적인 뮤지컬 중 카바레, 시카고, 고양이, 레 미제라블, 라이온 킹, 오페라의 유령, 맘마 미아입니다! 웨스트 사이드 스토리.
많은 배우들에게 무대 공연은 영화 사업의 발판이었습니다. 로버트 레드포드, 캐서린 햅번, 버트 랭커스터, 제임스 딘, 말론 브란도, 진 해크먼, 그레이스 켈리 와 같은 연기 거장들이 브로드웨이에서 경력을 시작했습니다. 엘리자베스 테일러와 같은 다른 사람들은 반대 방향으로 갔고 때로는 할리우드 유명 인사와 함께 브로드 웨이에 보안으로 출연했습니다.
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