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앙드레 케르테츠 André Kertész : 네이버 블로그

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사진이 말을 건다

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• Most searched keywords: Whether you are looking for 사진이 말을 건다 Updating 잡지 〈라이프(Life)〉의 편집장은 앙드레 케르테츠(André Kertész)의 사진을 보고 “너무 많은 것을 말한다”고 평가했다. 이 말은 케르테츠의 사진이 번잡스럽다는 뜻이 아니다. 사진 한 장에 상상할 수 있는 이야기가 많다는 의미다. 앙드레 케르테츠(1894-1985)는 20세기에 가장 영향력 있는 사진작가 중 한 명으로, 70여 년이라는 긴 시간 동안 사진작가로서 활동했다. 그의 사진 인생은 사진의 역사와 맥락을 같이 한다. 특정 예술 사조나 유행에 얽매이지 않았던 그의 사진은 앙리 카르티에 브레송, 로버트 카파, 브라사이 등 많은 현대 사진가에게 영향을 줬다. 성곡미술관에서 열리는 ‘앙드레 케르테츠’ 전은 원판으로 프린팅한 사진을 그가 머물렀던 세 도시(헝가리, 파리, 뉴욕)를 기준으로 나눠 전시한다. 흑백사진으로 유명한 작가이지만, 삶의 후반에 작업한 컬러 프린팅도 볼 수 있어 앙드레 케르테츠의 작품세계 전반을 훑을 수 있다. 〈자화상, 파리(Self-Portraits, Paris)〉, 1927. 헝가리 시기(1912-1925) 헝가리 출신인 앙드레 케르테츠는 1912년 처음으로 카메라를 구매하여 사진을 찍기 시작한다. 일기를 쓰듯이 가족과 친구의 모습, 헝가리 전원의 목가적 생활을 촬영했다. 특별한 기교나 철학적 의미는 없지만, 앙드레 케르테츠의 따뜻한 시선을 발견할 수 있다. 앙드레 케르테츠의 휴머니즘적 감성은 1차 세계대전 참전 당시, 군인을 촬영한 사진에서도 나타난다. 전장의 참혹한 실상보다 군인들의 소소한 일상을 찍은 사진은 전쟁 속에서도 삶은 계속되고, 사람이 있다는 것을 전한다. 〈수영하는 사람, 헝가리(Swimmer Under Water, Esztergom, Hungary) 〉, 1917 – 하이앵글과 대각선 구도, 물의 반사로 인한 왜곡 등 아방가르드 예술의 실험적 요소가 보인다. 파리 시기(1925-1936) 1925년, 앙드레 케르테츠는 당시 예술의 본거지인 프랑스 파리로 이주한다. 다다이즘, 초현실주의, 입체주의 등 여러 예
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브레송이 존경한 구성, 일상 사진의 대가 앙드레 케르테츠

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사진은 권력이다

브레송이 존경한 구성 일상 사진의 대가 앙드레 케르테츠 본문

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‘빛·실루엣·시간의 조화’…앙드레 케르테츠 사진전 | 연합뉴스

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PHOTO DATA – 사진작가 앙드레 케르테츠

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앙드레 케르 테츠

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<20세기의 전설들>앙드레 케르테츠 (1894-1985)

<20세기의 전설들>

알렉산더 로드첸코 (1891~1956)

앙드레 케르테츠 (1894-1985)

20세기 사진사를 대표하는 두명의 작가. 알렉산더 로드첸코와 앙드레 케르테츠.

동시대에 활동한 두 작가는 기존의 회화적 관습을 거부하고 사진 매체만의 새로운 관점을 실험했다.

그러나 각각 러시아과 유럽에서 활동하면서 한쪽은 사회의 풍경을, 다른 쪽은 내면의 풍경을 담았다.

즉 사진의 생산성을 실험하는 로드첸코와 예술성을 실험하는 케르테츠.

두 개의 다른 풍경이 100년이 지난 지금 우리에게 하는 여전히 던지고 있는 질문은 다르고, 같다

도시의 산책자

<앙드레 케르테츠>

우울한 튤립, 뉴욕

Melancholic Tulip,New York, 1939

ⓒMinistere de la Culture et Communication

– Mediatheque del’architecture et du patrimoine, Dist.

RMN -Grand Palais / Donation Andre Kertesz 우울한 튤립, 뉴욕Melancholic Tulip,New York, 1939ⓒMinistere de la Culture et Communication- Mediatheque del’architecture et du patrimoine, Dist.RMN -Grand Palais / Donation Andre Kertesz

“한 장면 속의 요소들이 내 눈을 만족시키는 구도로 정렬될 때까지 다양한 앵글로 주제를 관찰하며,

나는 그저 걸어 다닌다.” – 앙드레 케르테츠

19세기 말 산업화된 파리의 도심 속에서 멜랑콜리한 시선으로 거리를 배회하는 보들레르, 벤야민은 보들레르처럼 신문 가판대, 카페 테라스, 벽보 등 파편화된 도시의 주변을 카메라처럼 관찰하고, 기록하는 시대적 인물을 ‘도시의 산책자’라고 불렀다. 거리의 군중 사이에서 혼자 부유하면서 근대적 시선으로 그 주변의 풍경을 담아내는 이 산책자의 무위無爲는 벤야민과 같은 시기에 파리를 중심으로 거리의 일상을 담아낸 앙드레 케르테츠에게서도 발견된다.

샹젤리제, Champs-Elysees, 1929

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque

de l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN -Grand Palais

/ Donation Andre Kertesz 샹젤리제, Champs-Elysees, 1929ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediathequede l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN -Grand Palais/ Donation Andre Kertesz

70여년의 활동 기간 동안 그는 부다페스트와 파리, 뉴욕을 옮겨 다니며 도시 곳곳의 일상적 이미지들을 사진에 담았다. 그 내면적인 풍경은 마치 일기와 같은 기록이었다. 그의 사진은 초현실주의적인 형태를 띠기도 하고, 사실주의적인 기록이기도 하고, 모더니즘적인 순수성을 보유하고 있다. 때문에 그의 작업은 여러 사조에 의해 해석되어지지만, 케르테츠의 작품이 지닌 특별함은 그 당시에 유행했던 사조들을 가볍게 가로질러 간다는 점이다.

동물시장, 생미셸 선창, 파리

Animal Market, Saint-Michel Wharf, Paris, 1929-1928

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque

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/ Donation Andre Kertesz 동물시장, 생미셸 선창, 파리Animal Market, Saint-Michel Wharf, Paris, 1929-1928ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediathequede l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN -Grand Palais/ Donation Andre Kertesz

사진을 독학으로 익힌 그에게 사진은 어떠한 해석적 틀에 의해서 담기는 것이 아니라 “내가 느끼는 것을 그대로 표현”하는 것이었다. 그래서 그는 사진을 찍기 위해 대상을 직접 찾아가는 대신, 그가 살던 도시를 산책하면서 천천히 대상을 기다렸다. 그래서 이번에 6월 9일부터 9월 3일까지 성곡미술관에서 진행 중인 앙드레 케르테츠의 전시는 그가 산책자처럼 걸어 다니며 머물렀던 각 시기의 도시별(헝가리1912-1925/파리 1925-1936/뉴욕1936-1985)로 구분되어 있다.

부다페스트, Budapest, 1915,

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque

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/ Donation Andre Kertesz 부다페스트, Budapest, 1915,ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediathequede l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN -Grand Palais/ Donation Andre Kertesz

1894년 부다페스트에서 태어난 그에게 피사체는 주변의 목가적인 풍경을 비롯해 가족들과 이웃, 친구들이었다. 본 전시의 <헝가리>(1912-1925) 섹션에서는 그가 초창기 시절에 호기심 가득한 시선으로 일상에서 찍은 시적이고 서정적인 풍경들을 보여준다. 사소하지만 따뜻한 그의 초기 사진 속 시선은 이후 그의 활동 내내 자연스럽게 스며들어 나타난다. 제1차 세계대전으로 군에 징집된 상황에서도 그는 작은 카메라를 들고 다니며 전쟁을 역사적인 한 장면이 아니라, 현장 안에 있는 군인들과 그들의 평범한 모습을 담았다. 그가 담은 풍경은 참호 속에서 기다리는 병사들의 모습과 긴 행렬을 이루며 걸어가는 모습들이었다.

포크, 파리, The Fork, Paris, 1929

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine,

Dist. RMN -Grand Palais / Donation Andre Kertesz

​ 몬드리안의 안경과 파이프, Mondrian’s Glasses and Pipe, 1926

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine,

Dist. RMN – Grand Palais / Donation Andre Kertesz

이후 1925년에 파리로 온 케르테츠는 다다, 초현실주의, 구성주의 등 모더니즘 예술 운동의 선구자들과 예술적으로 많은 교류를 나눴다. 그러나 만 레이, 몬드리안, 샤갈, 콜레트, 짜라와 같은 당대 최고의 아방가르드 작가들과도 교류 속에서도 그는 하나의 사조에 치우쳐 그 틀 안에 갇혀 있기를 거부하고, 일상적인 풍경 안에서 자기 자신만의 감성과 시선을 담은 이미지들을 담아왔다. 동시에 그는 형식적인 실험 또한 다양하게 전개했다. 전시장의 <파리>(1925-1936) 섹션에서 볼 수 있는 이 시기의 그의 작품 <포크>(1928)나 <몬드리안의 파이프와 안경>(1926)은 오브제의 배치와 화면의 구성, 음영의 대비가 완벽하게 조화를 이루어냄으로써 훌륭한 형식을 구현해냄과 동시에 형식을 꿰뚫는 명상적인 분위기, 시적인 시선을 순수하게 표현해냈다. 또한 소파에서 조각가 이슈트반 뵈티의 작품을 따라 포즈를 취하고 있는 무용수 막다 푀르스트너의 모습, <풍자적인 무용수>(1926)을 통해 평면적인 사진 안에서 교차하는 각도와 기하학적인 구성의 역동성으로 새로운 형태를 계속적으로 실험하는 그의 작품세계를 엿볼 수 있다.

수영하는 사람, 에스테르곰, 헝가리, Swimmer Under Water, Esztergom. Hungary, 1917

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN -Grand Palais / Donation Andre Kertesz 수영하는 사람, 에스테르곰, 헝가리, Swimmer Under Water, Esztergom. Hungary, 1917ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine, Dist. RMN -Grand Palais / Donation Andre Kertesz

그는 이러한 실험 정신을 1933년 <왜곡> 시리즈를 통해 더욱 극대화한다. 이미 1917년에 <수영하는 사람> 작품으로 물결과 빛에 의해 왜곡되는 몸의 형태에 관심을 가졌던 그는 변형 거울을 통해 기괴하게 일그러진 몸의 왜곡 사진들을 작업했다. 그는 여성의 누드 사진을 아름다운 신체로 담아내는 전통적 관점에서 벗어나, 거울 반사를 이용해 뒤틀고 왜곡시킴으로써 자신만의 조형적 언어를 획득한다.

새로운 모더니즘의 실험적 조형 언어인 거울 유희, 반사, 그림자와 복제, 전면 구성, 혹은 야경과 명암의 대비 등을 표현기법으로 활용하면서 사진적 아방가르드의주역이 되었다 – 전시 서문 발췌

이 낯선 이미지들은 후에 다시 조명을 받고 책으로 출판되기도 하지만, 그 당시에는 많은 주목을 받지 못했다. 그는 1936년에 사진대행사 키스톤 에이전시와 계약을 맺고 뉴욕에 머물렀지만, 왜곡 시리즈와 새로운 작품이 연이어 실패하고, 케르테츠의 작업이 미국의 상업 사진 시장에서는 쉽게 받아들여지지 않아 우울증에 걸리기도 했다. 그러나 그의 멜랑콜리적인 시선은 뉴욕의 거리에서도 계속 이어졌다. 그는 그 당시의 많은 작가들이 주목하였던 미국의 사회적 장면에 몰두하기보다, 주변의 일상적인 것들에 관심을 가졌다.

케르테츠는 스트리트 포토그래퍼처럼 시대적, 사회적 장면을 잡아내지는 않았다. 오히려 뉴욕의 황폐한 벽돌담, 그림자나 철근 구조물, 외부 계단의 얽힘 속에 자신의 멜랑콜리를 주입하였다. 그에게 뉴욕이란 마치 생각의 공명상자와도 같아서, 자신의 생각들을 사진으로 되돌려 주었다. – 전시 서문 발췌

길 잃은 구름, 뉴욕, Lost Cloud, New York, 1937

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깨진 원판, 파리, Broken Plate, Paris, 1929 길 잃은 구름, 뉴욕, Lost Cloud, New York, 1937ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine, Dist.RMN – Grand Palais / Donation Andre Kertesz깨진 원판, 파리, Broken Plate, Paris, 1929

그 당시에 그가 찍은 <길 잃은 구름>(1937)에는 록펠러 센터와 마주친 한 점의 구름이 담겨있다. 이 사진은 뉴욕의 거대함을 상징하는 건물에 부딪힌 한 개인, 케르테츠를 상징한다. 그는 뉴욕에서 느낀 외로움의 정서를 바탕으로 거리에서 이벤트나 사건이 아니라, 자신만의 사적인 일기를 기록해왔다. 이러한 그의 작품은 1959년 <인피니티> 잡지가 실은 그의 기사를 통해 알려지게 되었고 마침내 뉴욕현대미술관Moma과 세계 주요 도시에서 개인전을 치루며 그의 작품이 지닌 예술성을 제대로 평가받을 수 있었다.

ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine, Dist.

RMN – Grand Palais / Donation Andre Kertesz ⓒMinistere de la Culture et Communication – Mediatheque de l’architecture et du patrimoine, Dist.RMN – Grand Palais / Donation Andre Kertesz

70년이라는 긴 활동기간 동안 이 산책가가 우리에게 보여준 풍경은 거리와 실내, 사물과 초상화까지 다양하다. 그 형식은 사실주의적이며, 모더니즘적이고, 초현실 주의적이다. 그는 형식과 주제에서 자유롭다. 그 당시 회화적 관습과 규범에 메어있지 않은 그의 자유로움은 대상의 본질을 들여다보려는 그의 진정성에서 나온다.

그러나 그것은 단순한 감상주의자의 것이 아니다. 그는 감정과 함께 구성과 형식, 배치의 아름다움을 절제된 아름다움으로 드러냈다. 즉 완전한 형식적 아름다움 안에 자신만의 심미적 시선으로 대상을 들여다보는 진정성을 통해 그는 휴머니즘적인 감수성과 아방가르드적인 실험성을 획득했다.

앙드레 케르테츠 André Kertész

III. 뉴욕 시기(1936-1985)

1936년 케르테츠는 사진 대행사 키스톤Keystone 에이전시와 계약을 맺고 아내 엘리자벳과 함께 뉴욕으로 떠났다. 하지만 계약은 1년 남짓 지속된 후 파기되었다. 『보그Vogue』, 『하퍼스 바자Harper’s Bazzar』 등 다수의 잡지사들이 케르테츠의 작업에 관심을 보였지만, 그의 사진은 대중적 이미지로 쉽게 받아들여지지 않았다. 1937년 뉴욕의 PM갤러리와 1946년 시카고미술관에서의 전시회에도 불구하고 뉴욕에서의 그의 생활은 심적으로 물질적으로 어려움에 봉착했다. 적은 수익, 연이은 실패, <왜곡> 시리즈에 대한 몰이해와 외국인으로서의 장벽 등이 결국 그에게 우울증을 안겨주었다. 1944년 미국 시민권을 얻은 케르테츠는 1947년 『하우스 앤 가든House & Garden』지와의 작업을 위해 콘데 나스트Condé Nast 그룹사와 독점 계약을 체결했지만, 주로 인테리어 사진을 제공해주던 그는 안정된 수입원을 확보할 수는 있었으나 상업적 작업을 지속하기가 힘들었고 결국 1961년 은퇴를 한다.

아울러 워싱턴 스퀘어가 내려다보이는 5번가 12층 아파트에 정착한 1952년 이후 다시 작업의 열정을 되찾기 시작하는데, 아파트의 테라스에 머물며 망원렌즈의 줌을 이용하여 주변의 생활을 포착하는 작업에 매진하였다. 그러나 그는 ‘스트리트 포토그래퍼’처럼 거리와 장소를 옮겨 다니며 시대적, 사회적 장면에 몰두하지 않았다. 오히려 그는 광장에 머무는 사람들의 특이한 행태와 풍경을 오랜 시간 기다림 끝에 마치 ‘발견된 오브제’처럼 찾아내었다. 케르테츠에게 뉴욕은 자신의 다양한 생각들의 공명상자와도 같아서, 그 생각들을 사진이라는 메아리로 돌려주는 것뿐이었다. 직관적이고 암시적인 그의 스타일은 뉴욕의 황폐한 벽돌 담, 그림자나 철근, 외부 계단의 얽힘 속에 자신의 멜랑콜리를 주입하기에 충분했다.

케르테츠의 예술성은 삶의 후반에 들어서며 높이 평가 받기 시작했다. 1959년 『인피니티Infinity』지가 게재한 케르테츠에 관한 기사는 그의 명성을 높이는 계기가 되었고, 마침내 1964년 뉴욕현대미술관(MoMA)에서 대규모 개인전을 개최하게 된다. 이 전시를 계기로 세계 주요 도시에서 그의 작품을 소개하는 순회전이 이어졌다. 또한 이즈음 그는 뉴욕으로 건너오기 전 파리에 남겨 두었던 원판 필름 상자를 찾아왔다. 헝가리와 파리 시기의 자신의 작품들을 다시 접하게 된 케르테츠는 생기를 회복할 수 있었다. 이어서 발행한 두 권의 책 『나는 파리를 사랑한다J’aime Paris』(1974)와 『뉴욕에 대하여Of New York』(1976)는 케르테츠가 파리와 뉴욕의 서로 다른 문화 환경 속에서 겪은 갈등을 보여준다. 1977년에는 파리 퐁피두센터Centre Pompidou에서 케르테츠의 개인전이 열렸는데, 안타깝게도 부인 엘리자벳이 전시 개막 직전에 사망한다. 이후 케르테츠는 세상을 떠난 엘리자벳에 대한 사랑을 담은 폴라로이드 사진을 다수 제작한다. 그에 따르면 폴라로이드는 “작품의 내재적 요소를 보다 더 수월하게 표현할 수 있는 새로운 기술”이었다. 케츠테츠는 1985년 9월 28일 뉴욕 자신의 집에서 세상을 떠났다.

사진이 말을 건다

아트 | 리뷰

2017-06-19

잡지 〈라이프(Life)〉의 편집장은 앙드레 케르테츠(André Kertész)의 사진을 보고 “너무 많은 것을 말한다”고 평가했다. 이 말은 케르테츠의 사진이 번잡스럽다는 뜻이 아니다. 사진 한 장에 상상할 수 있는 이야기가 많다는 의미다.

앙드레 케르테츠(1894-1985)는 20세기에 가장 영향력 있는 사진작가 중 한 명으로, 70여 년이라는 긴 시간 동안 사진작가로서 활동했다. 그의 사진 인생은 사진의 역사와 맥락을 같이 한다. 특정 예술 사조나 유행에 얽매이지 않았던 그의 사진은 앙리 카르티에 브레송, 로버트 카파, 브라사이 등 많은 현대 사진가에게 영향을 줬다.

성곡미술관에서 열리는 ‘앙드레 케르테츠’ 전은 원판으로 프린팅한 사진을 그가 머물렀던 세 도시(헝가리, 파리, 뉴욕)를 기준으로 나눠 전시한다. 흑백사진으로 유명한 작가이지만, 삶의 후반에 작업한 컬러 프린팅도 볼 수 있어 앙드레 케르테츠의 작품세계 전반을 훑을 수 있다.

헝가리 시기(1912-1925)

헝가리 출신인 앙드레 케르테츠는 1912년 처음으로 카메라를 구매하여 사진을 찍기 시작한다. 일기를 쓰듯이 가족과 친구의 모습, 헝가리 전원의 목가적 생활을 촬영했다. 특별한 기교나 철학적 의미는 없지만, 앙드레 케르테츠의 따뜻한 시선을 발견할 수 있다.

앙드레 케르테츠의 휴머니즘적 감성은 1차 세계대전 참전 당시, 군인을 촬영한 사진에서도 나타난다. 전장의 참혹한 실상보다 군인들의 소소한 일상을 찍은 사진은 전쟁 속에서도 삶은 계속되고, 사람이 있다는 것을 전한다.

파리 시기(1925-1936)

1925년, 앙드레 케르테츠는 당시 예술의 본거지인 프랑스 파리로 이주한다. 다다이즘, 초현실주의, 입체주의 등 여러 예술가와 교류하던 앙드레 케르테츠는 그 어떤 사조에도 속하지 않고 자신만의 스타일을 구축한다.

이 시기에 앙드레 케르테츠는 사진의 기술력과 표현력을 연구, 실험한다. 명암을 세밀하게 담아내 흑백사진임에도 불구하고 깊이가 느껴지며, 거울 반사, 그림자, 명암 대비 등 다양한 효과를 통해 실험적인 사진을 선보였다. 이를 잘 보여주는 작업으로는 〈왜곡(Distortions)〉 시리즈가 있다.

뉴욕 시기(1936-1985)

파리에서 마음껏 사진적 실험을 전개하던 앙드레 케르테츠는 미국 뉴욕으로 건너간다. 여러 잡지사가 그에게 관심을 가졌지만, 감성적이고 이야기가 많다는 이유로 거절당하기 일쑤였다.

앙드레 케르테츠는 “내가 보고 느낀 것을 그대로 표현한다”고 말할 정도로 사진에 자신의 감성을 솔직하게 담아낸 작가다. 특히 사물에 자신의 감정을 이입하여 사진을 찍었다. 그의 사진 속 꽃병, 의자, 빌딩 등은 살아있는 생물이 아님에도 불구하고 관람객에게 말을 거는 듯하다.

그러나 파리에서와 달리, 인정받지 못했던 앙드레 케르테츠는 우울증을 겪는다. 자신이 추구했던 사진과 클라이언트가 원하는 사진 사이의 괴리감에 힘들었던 그는 1961년 은퇴를 선언한다. 그러나 우습게도, 은퇴 후 재평가되어 미국에서도 명성을 얻게 된다. 1985년에 세상을 뜰 때까지 뉴욕과 파리를 오가며 왕성한 작품 활동을 한 앙드레 케르테츠는 모든 원판과 작업을 프랑스에 기증했다.

정보보다 정서를 전달하는 앙드레 케르테츠의 사진은 관람객의 감성을 자극하고, 피사체에 담긴 뒷이야기를 상상하게 만든다. 자극적인 사진에 지쳐 있는 우리에게, ‘앙드레 케르테츠’ 전은 사진의 순수함과 낭만을 상기시키는 전시가 될 것이다.

앙드레 케르테츠

2017.06.09-09.03 (월요일 휴관)

성곡미술관

일반 10,000원, 청소년 8,000원, 어린이 6,000원

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